Quienes somos Relatos Poesías Recomendamos Nuestros productos Inicio Entrevistas Noticias Revista Libro de visitas Mapa web Premios Www.ratondebiblioteca.es Visiones Miembros de Www.ratondebiblioteca.es

 Noviembre - 2019 

 L ¦ M ¦ M ¦ J ¦ V ¦ S ¦ D  M 

                               1     2     3  

   4     5     6     7     8     9    10 

  11   12   13   14   15   16   17 

  18   19   20   21   22   23   24  

  25   26   27   28   29   30    13 

       Agenda cultural de
  www.ratondebiblioteca.es ©




   


Será mostrado si existe Comentario  Comentario  Comentario  

Top 10 películas más taquilleras en España Top 5 películas más taquilleras en Estados Unidos



Publicidad
Escrito por Prato el 11/01/17

Rogue One Pinche en el enlace para votar


Rogue One

El golpe más importante de los rebeldes contra el Imperio Galáctico

Muchos conocen el universo de Star Wars y están fascinados por el misticismo que le rodea y no es un secreto para nadie que esta saga siempre mantendrá su atractivo gracias a su dinámica historia, personajes geniales y lo épico que una saga espacial de este calibre pueda encerrar.

Esta nueva producción, titulada Rogue One: Another Star Wars Story, narra los eventos que desencadenan la historia del ya mundialmente conocido Episodio IV (1977) y que, de hecho, explica algunas posibles fallas en la trama de esta última. Aún a pesar de que en la primera producción de la saga, hace ya 40 años, no se explica cómo los planos de la Estrella de la Muerte llegan a las manos de la Alianza Rebelde, es un hecho que, sin duda, ha generado bastantes teorías, discusiones e incluso, alguna que otra especulación por parte de la fanaticada. Cuatro décadas después y como un pequeño abrebocas de lo que depara para el octavo episodio de la saga a estrenarse este año, finalmente se revela lo que ocurrió.

Yo no tiendo a dar adelantos de una trama, ya que me gusta que el público experimente de primera mano la historia y así poder generar una discusión mucho más dinámica entre los lectores, así que más allá de lo que les dije arriba, no contaré sobre la historia, pero sí hablaré de algunos de los aspectos técnicos que rodean esta producción, así como otros detalles de la historia que son relevante a la trama.

La fuerza

Aunque no parezca, la mística Fuerza sigue jugando un papel muy importante en esta entrega y es que aunque no haya ningún Maestro Jedi a la vista, esta sigue siendo una especie de religión instaurada que se ha posicionado en este universo (aún a pesar de que, 19 años antes en la historia de este universo, el Emperador Palpatine llegara a erradicar todo cuanto a los caballeros de la orden Jedi esté relacionado e imponer su mano de hierro en la galaxia) y de manera muy disimulada, aún tiene practicantes y creyentes, como es el caso de Chirrut Îmwe interpretado por Donnie Yen.

Darth Vader

De igual manera, somos testigos del poder que el lado oscuro de la Fuerza puede tener, ya que la aparición de su máximo representante, Darth Vader, nos lo deja muy en claro; no solo por la trayectoria de este personaje, sino porque, en esta ocasión, muestra al público su lado más despiadado y sanguinario, demostrando porqué se ha ganado su puesto como uno de los villanos más temibles en toda la historia del cine, manteniéndolo durante años.

Gareth Edwards

El director de esta cinta tiene un repertorio bastante corto y modesto, en el que predominan producciones para televisión como Día Final (2005), documentales televisivos como Desastre Perfecto (2006) y Héroes y villanos (2008); así como producciones cinematográficas reconocidas, siendo el caso de Monsters (2010) y Godzilla (2014).

Ciertamente, Edwards logró hacer de este filme un trabajo muy bien logrado, con armonía en cada escena y obteniendo planos muy bien elaborados, así como una interpretación bastante natural por parte de los actores y una química bien lograda entre ellos mismos. Bajo su dirección, el producto final ciertamente logró un dinamismo que poco aburrirá a los espectadores y que no les permitirá levantarse de sus asientos hasta el final de la cinta.

La música de Giacchino

Michael Giacchino se ha hecho una sólida carrera, creando piezas reconocibles e inimitables, como lo fue en Perdidos (Lost), Star Trek (2009), entre otras producciones televisivas y cinematográficas. Ciertamente no puede comparársele con las piezas compuestas por el genial John Williams para la saga, pero este compositor logra muy bien su cometido de armonizar las escenas y completar el proceso de identificación de la audiencia con el filme, generando el ambiente propicio que asociará esta producción con Star Wars, no solo por la historia que narra musicalmente, sino por la manera tan natural en la que incluye tonadas ya conocidas a una banda sonora novedosa y tan dinámica como el resto de la producción.

Los huevos de pascua

Si es verdad que desde hace algunos años se ha puesto de moda en incluir los populares huevos de pascua (eastern eggs) en las producciones de una franquicia, la saga creada por George Lucas lleva las de ganar. Esta cinta está llena de estos y aquellos que son realmente fanáticos de la saga necesitarán verla más de una vez para encontrarlos todos. No solamente tenemos los más obvios como la Base Rebelde en Yavin IV, las salas y pasillos de la Estrella de la Muerte o el icónico corredor de la nave de la Princesa Leia, sino que, además, podrán ver algunas naves de otros arcos en la historia de este universo ficcional, personajes y objetos que han sido importantes en su respectivo momento. Lo genial de esta producción está en el detalle de que todos estos fueron incluidos como parte del ambiente de una escena, escenografía o incluso como un algo que pasa fugazmente de un lado a otro de la pantalla.

¡Apuesto a que más de uno ya habrá encontrado algunos bien interesantes!

La historia

Honestamente, estamos ante un guión bastante sólido y bien ejecutado. La historia tiene un desarrollo bastante armónico y secuencialmente lógico, que mantiene al espectador en todo momento atento a cada una de las secuencias y que, además, permite que el espectador pueda seguir la trama con mucha facilidad desde el momento inicial.

Los diálogos de los protagonistas son muy interesantes y demuestran la naturaleza y personalidad de cada uno a lo largo del filme. Ciertamente nos encontraremos con parlamentos muy conocidos de toda la saga como el famoso “Tengo un mal presentimientos sobre esto” y “que la fuerza os acompañe”, pero también nos encontraremos con diálogos muy emotivos y profundos que nos dejarán ver el lado más profundo de cada uno de ellos y lo que nos permitirá observar cómo crecen a medida que la historia se desarrolla.

Asimismo, habrá momentos en el que nos relajaremos de toda la tensión en medio de la acción y el drama con momentos y diálogos realmente hilarantes, que sellarán para siempre la identificación del público con la cinta y le darán a esta el contraste necesario para hacer de ella una producción realmente completa a la hora de entretener.

Los personajes

Los héroes

Cada uno de los personajes, tanto principales como antagónicos, están muy bien estructurados, mostrando detalladamente sus motivaciones y ambiciones, esto último en el caso de los antagonistas, así como las actuaciones de los estelares están muy bien logradas, dando en cada uno de ellos ese carácter con el que se harán reconocibles durante el desarrollo de la trama.

El reparto, en mi opinión, está muy bien escogido por Jina Jay, responsable por los estelares que aparecen en cintas como Munich (2005), El Gran Hotel Budapest (2014), entre otras y cada uno de ellos cumple perfectamente el rol para el que fue escogido, creando la empatía con el público por parte de los héroes y el desprecio y odio hacia los villanos.

Quisiera destacar las actuaciones de Felicity Jones y Diego Luna, quienes interpretan a Jyn Erso y Cassian Andor respectivamente, cuya química está muy bien lograda a la hora de actuar sus papeles, logrando que nos sintamos parte de la trama e incluso, nos cautivan con la manera en que cada uno de ellos demuestra su aspecto más profundo a nivel de personalidad a lo largo de la saga y cuyo profesionalismo nos deja ver cómo evolucionan hasta volverse personajes dignos de recordar con entusiasmo en el universo de Star Wars.

Peter Cushing y Guy Henry

Por supuesto, Guy Henry, interpretando el papel del Governador Tarkin quien originalmente fuese representado por el ya fallecido Peter Cushing, lo hizo perfectamente. Capturó en casi todo detalle las expresiones y movimientos de su predecesor y como nota interesante, quisiera mencionar que es la voz de este actor la que escuchamos en el largometraje y no la de una recopilación digital de la voz de Cushing. Por su parte, Ben Mendelsohn, el malvado Director Militar Orson Krennic, es quien logra crear el verdadero ambiente antagonista, haciendo sentir al espectador la tensión que solo un villano bien construido puede lograr, haciéndose odiar por el público con su sola presencia a lo largo del filme.

Los efectos

Sin duda alguna, los efectos especiales presentes en esta producción merecen una mención especial, ya que no solo están bien hechos y añaden un realismo a la cinta, sino que, además, le agregan ese toque místico y épico a la vez que ha caracterizado a las producciones de esta saga, transportándonos durante los 140 minutos de proyección a esa galaxia muy, muy lejana y llena de aventuras que no pueden esperar a ser vividas y revividas.

Los procesos de captura digital que se emplearon para los personajes digitalizados, además de ser complejos, logran su cometido en el producto final, entregándonos visiones realistas de alienígenas y algunos androides, así como la reaparición en pantalla del ya fallecido Peter Cushing en un realismo que hasta ahora ha superado cualquier muestra anterior.

De la misma manera, la digitalización de escenarios y batallas espaciales tienen su puesto bien ganado, ya que logran crear esa atmósfera capaz de cautivar a la audiencia con su genialidad y que a la vez hacen a la imaginación quedar pequeña con lo bien logrado de las texturas, colores, sombras y dimensiones de las mismas.

En conclusión…

Ciertamente, Rogue One se ha ganado su puesto entre las mejores películas de la temporada, alcanzando las expectativas del público y superándolas con creces, por lo que hizo que valiese la pena los meses de espera entre la fanaticada y el público en general.

Cargada de acción, emoción, drama y mucho más, Rogue One es un filme que recomiendo al público ampliamente y si aún no la han ido a ver, sugiero que no esperen ni un minuto más para ir a su cine favorito y disfrutar esta entretenida producción.

¿Ya vieron este filme? ¡Coméntennos qué les pareció!

¡Nos veremos en el cine!


Libro de Visitas

César Prato ©

Creative Commons License



Publicidad
Escrito por Mplanet el 24/01/17

Charles Mingus Pinche en el enlace para votar

Contiene vídeo que será de su agrado.

Declaraciones de Charles Mingus en su autobiografía publicada en 1971

“En mi hay tres hombres. Uno está siempre en el centro: indiferente, impasible, observa, espera que los otros dos le dejen expresarse y decirles lo que ve. El segundo es como un animal asustado que ataca por miedo a ser atacado. Y después hay un hombre dulce y desbordante de amor que deja a los otros penetrar hasta su sanctasanctórum interior, encaja insultos, confía y firma contratos si leerlos, se deja convencer de trabajar por poco o nada y, al darse cuenta de que le han engañado, siente deseos de matar y destruir todo lo que le rodea, incluso a sí mismo, somos castigo por haber sido tan estúpido. Pero no puede y vuelve a encerrarse en sí mismo”.

Mingus provenía de una familia en que se mezclaban diferentes nacionalidades como la europea, china y afroamericana. Siempre tuvo conciencia de sus mestizas raíces donde las defendería y protegería hasta el fin de sus días.

Nació el 22 de abril 1922 en Nogales, Estados Unidos. Su madre falleció al poco tiempo nacer y Mingus quedó a cargo de una dura y estricta madrastra donde la única música que se podía escuchar en aquella casa era la de la iglesia. A sí que Mingus empezó a introducirse en la música a través de la iglesia. Pero poco a poco fue afinando su oído a otros estilos como el jazz escuchando a Duke Ellington.

Ya de joven empezó tocando el trombón, después se interesó por el chelo, pero tras conocer que dicho instrumento era más propio de blancos que de negros, lo rechazó y se pasó al contrabajo, donde lo estudió durante ocho años mientras seguía un curso de composición con el célebre músico Lloyd Reese.

Su carrera profesional la empezó desde arriba, desde lo más alto. A mediados de los cincuenta empezó tocando a las órdenes de Charlie Parker, Miles Davis o Art Tatum.

Pero Mingus, era una persona con mucho orgullo y amor propio y no quiso ser el segundón de nadie. A sí que emprendió un nuevo aprendizaje a través de la “third stream” (una mezcla de jazz con música sinfónica) y música de vanguardia. Poco a poco se fue forjando como músico y en 1952, junto con el gran batería y uno de los pioneros del bebop, Max Roach, fundan su propio sello discográfico llamado Debut Records.

Mingus no ha parado de trabajar como músico de estudio y en directo. A todo esto, sus discos de mayor relevancia están considerados como obras maestras de la historia del jazz, dando al contrabajo la importancia que se merecía.

Charles Mingus

No he podido escuchar todo su extenso y dilatado trabajo, que abarca desde 1953 hasta 1977. En estos veinticuatro años de carrera destacaría el The Black Saint and the Sinner Lady publicado en 1963 con el prestigioso sello Impulse!. Se trata de una suite en seis movimientos representada por una big band de once músicos. La influencia de Duke Ellington en este álbum es indudable, donde (a pesar de ser una big band) los músicos tienen cierta libertad de expresión musical.

Charles Mingus (Portada)

Es un disco que se grabó en una sola sesión a pesar de su compleja dificultad. Mingus fusiona la tradicional música de jazz con su orquesta de big band con retazos sonoros muy propios del este de Europa (al menos a mí me lo recuerda) y el sur de dicho continente donde los solos improvisados de una guitarra española tocada por Jay Berliner te deja no menos que sorprendido. A todo esto hay que incorporar esa sonoridad muy típica que nos ha ofrecido el jazz de los bajos fondos muy propios del film noir (cine negro) y las películas de gánsteres. Escuchando éste disco pienso en la mafia, en crímenes, en tugurios llenos de humo, en días lluviosos llenos de niebla, en policías corruptos, en el Nueva York o el Chicago de los años 40 y 50, en la noche, en inspectores secretos dándole al Burbon en un antro deprimente lleno de perdedores mientras escucha a una cantante de jazz. En cierto modo, esa época tiene algo de fantástico y romántico al mismo tiempo, del mismo modo que lo tiene éste disco de Charles Mingus, una suite que nada tiene que ver con la época en la que se hizo (1963) en el que jazz estaba inmerso en un estilo mucho más espiritual, más funky y al mismo tiempo mucho, pero mucho más libre (free jazz… véanse Ornette Coleman por ejemplo) Es un álbum de gran importancia en la carrera de Mingus, ya que fue la primera vez que se sentó delante de un piano para grabar un disco.

Charles Mingus era un tipo contundente dentro y fuera del escenario. Fervoroso luchador por los derechos civiles de los negros americanos, le tocó luchar en más de una vez al respecto y se enfrentó a las discográficas para no ser engañado por el simple hecho de ser negro.

Por otra parte, también batalló contra las drogas y el alcohol. Llegó a romperle la mandíbula de un soberbio puñetazo a su trombonista, Jimmy Knepper, cuando lo encontró en unos lavabos metiéndose una aguja hipodérmica entre las venas. El caso llegó a los tribunales y Mingus fue condenado.

Mingus, era un excelente músico, de mente abierta a la hora de componer, siendo todo un explorador musical como hemos podido ver en el tema anterior. Amaba la música latina y se arriesgaba a la hora de combinar instrumentos aún insólitos en terreno del jazz. A parte de su extraordinaria música, también fue conocido por su forma de expresarse en los medios de comunicación:

"No llamo jazz a mi música. Jazz es sinónimo de música hecha por ciudadanos de segunda clase, música de "negratas". Es una palabra que aleja a los músicos negros del dinero que les corresponde. Toco música y me gusta la música. La buena. No es Jazz, es buena música”.

El periodista y biógrafo amante del jazz Nat Hentoff, piensa en Mingus como un músico de jazz atípico e imprevisible:

“Mingus no fue sólo uno de los mejores y más originales contrabajistas de la historia, fue también uno de los pocos solistas legendarios que dejó un corpus distintivo de composiciones continuamente imprevisibles”.

Charles Mingus no paró de realizar conciertos hasta en 1970 en que le detectaron una esclerosis lateral amiotrófica.

Falleció en Cuernavaca, México, el 5 de enero de 1979. Por petición suya, sus cenizas descansan en el río Ganges.

Charles Mingus

“Todo lo que hago es Mingus music”


Libro de Visitas

Mario Vega Hidalgo ©

Creative Commons License



Publicidad
Escrito por Natalia el 25/01/17

La ventana indiscreta Pinche en el enlace para votar


La ventana indiscreta (Portada)

Me invitaron a ver La ventana indiscreta, por tercera vez en mi vida, aunque con un margen de visualización entre la segunda y la tercera vez de unos 5 años, aproximadamente. Acepto a regañadientes la oferta solo por ver los ojazos de James Stewart en una pantalla más grande que en la que estoy acostumbrada a verle. Mi resistencia irracional a ver La ventana indiscreta tiene una explicación. Se debe a que siempre que me preguntan por mis películas favoritas la primera que menciono es Lost in translation y siempre tengo que luchar contra el comentario de "uf, que lenta" e inmediatamente pienso en que la lentitud no es eso, sino algo más como lo que ocurre en La ventana indiscreta. Cuando ya está todo preparado para ver la película, menos la película, notando una fuerte insistencia en ver un clásico de Hitchcock, pero sin percibir especial entusiasmo por The rear window, título original, aprovecho para meter el dato, sugiero otras del mismo director en un intento por escapar de esto que en mi recuerdo es algo así como una tortura medieval. Mientras espero a que mis persuasiones hagan efecto y me agacho una milésima de segundo, al volver a incorporarme me encuentro a James Stewart congelado en la pantalla, sentado en una silla de ruedas con una pierna escayolada y una reflex entre las manos, en ese momento me empecé a poner nerviosa, como cuando de niña me llevaban al médico y este me decía muy sonriente que me saliese fuera a esperarle, que cuando me llamase me iba a pinchar en el culo. Me empecé a imaginar dos horas interminables de silencios eternos, en un mismo escenario estático en el que las situaciones se desarrollan al mismo ritmo que en la vida real, recordé que fue el propio Hitchcock el que dijo aquello de que un buen drama es como la vida sin las partes aburridas, y pensé en que esa frase se le debió ocurrir despues de hacer esta película y otra ristra de crueldades más que, si el propio Alfred hubiese escuchado, hubiese elaborado un personaje, le hubiese hecho pasar por un montón de torturas hasta darle un horrible final y le hubiese puesto mi nombre. También pensé en quedarme dormida, esas cosas pasan y más a esas horas, no quedas mal y das aspecto tierno, pero no tenía sueño y sabía que me la iba a comer, no era una cita y mi hermana, si me duermo, tiene la confianza suficiente como para despertarme de un guantazo o metiéndome el dedo en la nariz. Sabía que tenía que devolverme la del día en el que me dijo que le apetecía verse una pelicula divertida y yo le dije que viese Las leyes de la casa de la sidra y acabó llorando. Creía que ya me la había devuelto cuando tiempo después de esta pequeña anécdota, me dijo que viese la película de El lector, que me iba a encantar, en la que una de mis actrices favoritas hace de nazi asquerosa que no contenta con su contribución a la sociedad decide meterse en una relación con un niño judio de unos 15 años, este se enamora de ella perdidamente, mientras ellas tendría unos 35 ó 40, lo cual no sería malo si a ella no le pareciese mal arruinarle la vida a él también, porque debe de ser que le supo a poco lo de los campos de concentración. Hablo de Kate Winslet, ese dia se me cayó un mito, además de dejarme apática el resto de aquella preciosa tarde de verano.

La ventana indiscreta (Escena)

Esa fue una buena venganza, ahora bien, un día El lector y otro dia La ventana indiscreta ya se podría considerar abuso. Pero no me escapaba por más que buscase salidas, ese día iba a volver a ver por tercera vez la ventana indiscreta sin ganas, ese día era 12 de diciembre, el mismo día en el que había leído un artículo en el que se comentaba, como curiosidad, que Marion Crane, trás cometer un robo y huir con el dinero bajo el brazo se aloja en el Motel Bates de la película psicosis un día 12 de diciembre. Sin ganas hasta que me vi envuelta de nuevo en la intensidad de la deliciosa atmósfera creada por Hitchcock.

Trama

Jeff (James Stewart) es un reportero fotográfico que trás un accidente es escayolado de una pierna y debe permanecer en reposo. Contempla la realidad a través del ventanal de su casa e intenta evadirse observando la vida de sus vecinos hasta completar su recuperación. Le llama la atención su vecina la bailarina de vida ociosa Miss Torso (Georgina Darcy). Su novia, Lisa (Grace Kelly) le visita e intenta mantenerle distraido y alejado del aburrimiento. Su enfermera, Stella (Thelma Ritter) se pasa a diario por el apartamento del señor Jeff para ayudarle con el aseo, la alimentación y otras tareas que le ayudaran a sobrellevar las interminables horas de voyeurismo desenfrenado. Stella, que le visita con asiduidad, comienza a percatarse de un cambio en la actitud de Jeff, ya que solo le interesa mirar por la ventana y seguir la vida diaria de sus vecinos como si de una telenovela se tratase, incluso cuando esta intenta entablar una conversación para sacarle de la rutina. La preocupación de su enfermera Stella y de su compañera Lisa comienza a incrementar cuando Jeff empieza a preocuparse por la vida de una de sus vecinas a la que hacía días que no veía. Ambas le proponen invertir el tiempo en otras distracciones, pero ninguna consigue que aparte su mirada del vecindario, es más, es él quien logra que ellas acaben con el rostro pegado contra los cristales mientras escuchan las hipótesis de Jeff y contemplan las casas sin perder detalle de las diferentes situaciones que se iban desarrollando.

la ventana indiscreta (Escena)

Jeff por su parte ha dejado de dormir en su cama para empezar a dormir en la silla y no perderse detalle, ya que vive con el presentimiento de que algo terrible le ha ocurrido a esa mujer. Asi que decide llamar a un amigo el detective Thomas (Wendell Corey) que le toma por un enfermo delirante. Todo deja de ser un juego de niños que se creen detectives en el momento en el que un grito de horror procedente del jardín de los vecinos de enfrente advierte al resto de un misterioso asesinato. La vecina del 2º piso ha encontrado el cuerpo asesinado de su perro.

Opinión

Opino que las dos primeras veces que vi la película iba borracha. No voy a decir que es mi favorita de Hitchcock porque para eso ya esta Vértigo (1958), pero si diré que es una película en la que si el espectador pone los cinco sentidos en ella, puede llegar a ser fabulosa. El guión escrito en colaboración con John Hayes, describe y encaja a la perfección cada secuencia, me gustan los guiones bien elaborados y cuanto más se diga en ellos más me va a gustar la película, ya que la elocuencia creativa, término que me acabo de inventar por supuesto, me resulta muy atractiva, supongo que la culpa de esto la tiene mi amado Woody Allen y los ingeniosos guiones que su creatividad vomita desde lo más profundo de sus sentimientos y reflexiones, capaces de encerrar en una frase tres intenciones distintas que te impiden desdibujar del rostro la expresión de asombro y aguantar la risa hasta el final de la película. Pero con esta última visualización de la cinta he vuelto a apreciar los silencios largos, las palabras concretas en momentos decisivos, el sonido de la saliba al atravesar una garganta contraida por el miedo o de la respiración excitada, detalles que pueden llegar a expresar más que una película llena de conversación o narración.

Esos silencios son los que utiliza Hitchcock para generar en el espectador la sensación de inquietud y misterio que hace especiales sus películas. Los silencios aunque aterradores son excitantes porque anuncian la llegada de un momento en el que nos arriesgamos a experimentar sensaciones nuevas. Cuando hay silencio es porque se necesita tiempo para pensar y desarrollar nuevas formas de actuar o pensar, estamos en arenas movedizas y un paso en falso puede influir de forma positiva o negativa en los momentos posteriores. La vida esta llena de silencios, no hablo solo de los pequeños silencios que preceden un momento concreto, como por ejemplo un silencio incómodo anterior a una conversación forzada, me refiero más bien al tipo de silencio en el que tus sueños se desarrollan en tu mente en el momento que empiezas a dar pequeños pasos para conquistarlos. El silencio en el que cruel y lentamente la vida te va arrebatando la salud de un ser querido, silencios que aparecen en el alma inmediatamente después de la tempestad y duran lustros, el silencio en el que los actos pequeños cambian un poco a mejor el mundo día a día o si no lo cambian al menos hacen prevalecer la esperanza de que un lugar mejor es posible, silencios en los que nacen las decepciones o el silencio que alberga el enamoramiento hasta que las dos mentes deseadas mutuamente logran encontrar la armonía y el placer conjunto.

La ventana indiscreta (Escena)

Supongo que Hitchcock conocía muy bien sobre todo tipo de silencios y supo plasmarlos en el cine. El silencio aterroriza, somos seres sociales con necesidad de compañía y tendencia a la creatividad, vivir en completo silencio indica soledad y falta de creatividad, en el momento en el que falte alguna de las dos estas perdido, de que sirve la creatividad si no puedes compartirla en algún momento y la compañía sin creatividad acaba siendo un trámite aburrido e innecesario.

La escenografía y la luz de la película me aportaron tranquilidad y por momentos sentía la casa de Jeff como si fuese mi hogar. Nunca me rendí con esta película por los pensamientos que siempre surgían en mi mente al empezar a verla, el primer impulso es criticar al protagonista por espiar a sus vecinos, pero siempre caigo en la misma trampa, Hitchcock nos quiso decir con el personaje de Jeff, "así de ridiculos os veis vosotros cuando veis mis películas". Podría decirse que está dedicada y basada en el espectador, en la forma en la que una persona externa a un conflicto reacciona a medida que la situación se sale de la línea de la moralidad y como pueden reaccionar ante ello. En esas situaciones se puede comprobar que tipo persona se es. Se dice que no solo los que ejecutan con sus propias manos una acción perjudicial para otros son los malos, sino también aquellos que lo presencian y no actúan. También se dice que el cementerio esta lleno de valientes y las cárceles de los que contestan sin ser preguntados.

Pero no creo que la intención de Hitchcock sea avergonzar al espectador por su cobardía o enorgullecerle por su valentía, porque su cine no va de eso, creo que su intención es despertar nuestras mentes o hacerla más activa ante los problemas y con ello conseguir dejar una huella mucho más profunda en nuestras mentes y pronlongar la inquietud, el misterio y la sensación paralizante de tener el miedo metido en los huesos hasta horas después de haber terminado de ver la película, no solo esta si no cualquiera de sus rodajes cinematográficos o capítulos de su serie. No es una película de miedo ni suspense como tal, ya que posee dosis de humor sarcástico que logra sacar al público de la ansiedad de la situación y refresca el contexto apartando por un momento los problemas como puede suceder en la vida real. Si estas leyendo esta entrada, te recomiendo que la veas si aún no la has visto y si ya la has visto te recomiendo que le des una segunda vuelta. Los detalles de esta película son los que la hacen una obra maestra.

Lo que más me ha gustado ha sido la interpretación de James Stewart, no puedo decir otra cosa ya que es mi actor favorito, sobre todo en papeles de Hitchcock y cuando hace películas en color como esta, lo de ver el claro de sus ojos suma puntos. Me encanta la forma en la que se expresa sin pronunciar una palabra, te lleva a imaginar una palabra clave que segundos después Hitchcock confirma con una imagen contundente. De Grace me enamoró en esta película su presencia en escena y como interpreta el papel de mujer intrépida dentro del cuerpo de una dulce y elegante dama, porque al contrario de lo que muchos digan las mujeres podemos ser todo lo que queramos a la vez, y Grace Kelly lo demuestra en esta película. Tampoco es mi favorita de ella, prefiero su interpretación en Atrapa a un ladrón (1955) mientras conduce en una época que eso era impensable para muchas mujeres, además de la historia que encierra detrás esa carretera, pero de eso mejor en otro momento. De Thelma Ritter me encanta como interpreta el papel de enfermera/empleada del hogar exprerimentada a gusto con su trabajo y su entorno laboral que es lo que le da fuerzas para hacer bien su trabajo, su interpretación gestual es impecable, en cuanto al papel que interpreta, me encantan los consejos que le da Stella a Jeff sobre el amor y como debe actuar en su relación para que sea duradera si no quiere perder a una gran mujer como Lisa con su actitud arrogante y en todo momento pone de ejemplo su relación de la que se siente muy orgullosa, esto hace que Jeff se abra y la relación entre ambos se fortalezca.

Por mi parte diré que, al final, mi hermana se durmió y yo estuve atenta hasta el final.

Curiosidades

El decorado fue construido en los estudios paramount a lo largo de dos meses. 31 apartamentos, 12 de los cuales estaban amueblados y disponían de agua y electricidad. Miss torso (Georgina Darcy) "vivió" en su apartamento durante un mes las horas que duraban los rodajes a diario, ella desarrollaba las mismas actividades que en su propia casa aunque no estuviesen rodando. Personalmente, considero que miss torso es de los personajes más divertidos porque refleja la libertad y desinhibición que experimentamos en la intimidad.

Los actores que interpretaban a los vecinos llevaban auriculares en iban siguiendo las órdenes de Alfred Hitchcock a medida que este iba rodando.

Se utilizaron mil luces de arco para simular la luz del sol.

La caracterización de Grace Kelly viene inspirada por la mujer del guionista, John Hayes.

El romance entre Jeff y Lisa viene inspirado por la relación entre Robert Capa e Ingrid Bergman.

Es la única película en la que Grace Kelly fuma.

Georgina Darcy, Miss torso, no seguía ninguna coreografía en sus bailes y Hitchcock le obligó a no tomar clases de danza, para que se notase que no era profesional. Como ya he dicho, este personaje y el de la pareja de recién casados que se tiran durante toda la película manteniendo relaciones sexuales y solo abren la ventana para fumar, son mis favoritos.

Todos los amantes del cine de Hitchcock saben que este hacía un cameo en todas sus películas, en esta sale a la media hora en la casa del músico.

Frases

"Esa no es una mirada ordinaria. Es el tipo de mirada del hombre que teme que alguien lo vigile."

"Inteligencia. Nada ha causado más problemas al ser humano como la inteligencia."

"No importa cómo te ganas la vida. Me gustaría ser parte de ella. Es triste ver que la única manera de ser parte de ella es suscribiéndome a tu revista."

"¿Desde cuándo las flores se encogen en dos semanas?"

"Válgame. Somos una raza de mirones."

Otros datos

Duración de 110 minutos, país son los Estados Unidos, la música es de Franz Waxman y Robert Burks, la productora Paramount Pictures y el género es intriga/película de culto.


Libro de Visitas

Natalia Cañadas ©

Creative Commons License



Publicidad
Escrito por Athaires el 22/03/17

El curioso caso de Benjamin Button Pinche en el enlace para votar


El curioso caso de Benjamin Button (Portada)

He desgastado varios años de mi vida en no volver a escribir en esta sección pero, como siempre hay alguno pues lo cito, el pasado 21 de marzo he visto una cinta en una de las cadenas de la televisión pública que me ha llamado tanto la atención que mi subconsciente me ha dicho, “Pablo tienes que escribir sobre esta película” y un servidor dijo: - Pues bueno, escribiré sobre ella (…) y aquí estoy haciéndolo a gran pesar mío puesto que lo que pretendía es que el resto de colaboradores lo hicieran e incluso superasen el número de escritos, pero no podemos hacer siempre planes de futuro dado que nunca se sabe lo que realmente va acontecer.

Centrémonos

David Andrew Leo Fincher nado en la 1º potencia mundial a finales del estío del año 1962 es un director y productor de películas dentro de las cuales están Alien 3 (su primera en 1992), Seven (1995), El club de la lucha (1999), La habitación del pánico (2002), La red social (película basada en hechos reales de como comenzó el Facebook, 2010), Perdida (2014) etc. Así hasta un total de 14 celuloides, pero sus trabajos no acaban aquí, sino que abarcan los vídeos musicales de Mark Knopfler (guitarrista y vocalista de los Dire Straits), Sting (en su carrera en solitario), Gipsy Kings, Paula Abdul, Madonna, Aerosmith, Billy Idol, George Michael, Michael Jackson, The Rolling Stones

Nadie duda a estas alturas de la gran calidad de este director, que por supuesto tiene un gran presupuesto para hacerlas y utiliza a grandes actores y actrices de reparto para ellas. Destacan sus efectos especiales que logran que el público las viva tal y como son, un rodaje especializado en cada cinta y en cada género que por poner un ejemplo citaremos los efectos de cámara lenta que suceden en El club de la lucha en las peleas o los cortes de escenario de pura realidad que nos hace ver en Seven, en definitiva, un gran trabajo de post producción también.

Dentro de sus grandes premios destacan el Oscar en el 2010 por La red social como mejor director, el Globo de Oro y el BAFTA por la misma o el Emmy por la serie televisiva House of Cards emitida en plataforma online como productor.

Al grano

Ya hemos hablado un poco del director de este film, ahora vamos a desmenuzarla.

Para disfrutar de ella es necesario estar pendiente de El curioso caso de Benjamin Button porque está todo el tiempo haciendo flashback de lo que sucede en el presente y el pasado puesto que en un principio todo se basa en un diario de Benjamin Button (William Bradley Pitt) y la versión de Daisy Fuller (Catherine Élise Blanchett), actores principales de esta cinta.

Quiero antes de seguir, que os fijéis en el color sepia de los fotogramas para describir el pasado y el true color del presente, como signo de distinción de ese flashback, incluso como lo va cambiando cuando llega al presente. Otros detalles son el vestuario de la época que describe, los coches, las casas coloniales, las sillas de rueda…

Antes de hablaros de que trata la película, es decir su guion, quiero destacar el personaje de Caroline Button (Julia Karin Ormond) no solo por la importancia de sus papeles en las películas donde actúa, sino que es la que acompaña todo el tiempo en los últimos suspiros de Daisy en el hospital leyendo el diario y al final se entera de que es la hija biológica de Benjamin y toda asustada le dice a la madre “¿Y me lo dices así?”.

Guion

Como ya mencionamos todo comienza en el 2005 en un hospital de Nueva Orleans (la ciudad del jazz) donde se desarrollará la mayor parte de la película, a expensas de que se avecina el huracán Katrina que puede que altere los aparatos médicos que todavía mantienen a Daisy con vida.

Al empezar el relato del diario cuenta la historia de un padre relojero que fabricó un reloj para una estación de tren con la curiosidad de que contaba al revés (uno de los lemas de cómo está hecho este portal basado en un libro titulado Pensar al revés), luego más tarde en la película fijaros la escena como cambian ese reloj por uno digital.

Ese padre (Thomas Button) tuvo un hijo, Benjamin, en la tarde del 11 de noviembre de 1918 y la madre feneció al dar a luz en la cama de su propia casa, no antes de que Thomas escuchara sus últimas palabras. Con la ira de que su mujer muriese por culpa del bebé, lo coge (sin fijarse de sus deformaciones ya que nació como si fuera un anciano de 80 años) y sale corriendo por las calles hasta que llega al río donde él quiere tirarlo pero aparece un policía que da la alarma con un silbato y lo persigue. Cuando logra despistarlo lo deja en un portal donde había una residencia de ancianos y Queenie (Taraji Penda Henson) al encontrarlo en las escaleras junto con 18$ decide cuidarlo como si fuera su madre.

No saben que enfermedad tiene (es muy rara), pero lo que está claro es que cada vez es más joven aunque se mueve en una silla de ruedas porque él no puede caminar y en 1925 en una iglesia para gente de color el pastor pide a las asistentes que se presenten voluntarios para hacer un milagro en nombre de Dios. Queenie acérrima a esa fe lo sube al púlpito y le invoca a que se levante. Él después de varios intentos y tropiezos logra dar sus primeros pasos mientras todos gritan “milagro, milagro” cuando en realidad lo que estaba pasando es que se estaba curando la artrosis que él tenía porque se ve en todo momento que su vida fue al revés hasta que se convierte de nuevo en bebé. Benjamin consigue andar con muletas.

A causa del destino en el Día de Acción de Gracias (1930) conoce a Daisy (con siete años de edad) donde la abuela vive en la residencia y se hacen buenos amigos, intiman debajo de una mesa recubierta con tela que se encuentra en el desván y encienden una vela para contarse secretos hasta que los descubren…

El curioso caso de Benjamin Button (Escena)

Bejamin ya con pelo blanco por todo el cuero cabelludo, no como antes que era calvo decide ver el mundo como es, no solo esa residencia donde se encontraba seguro o en las calles y entonces es donde conoce a Mike Clark (borracho y mujeriego) al cual le pide trabajo en su remolcador donde él era el capitán y conoce a su padre biológico que no le revela su identidad, pero se hace amigo de él.

Las vidas de Benjamin y Daisy se separan, él se embarcará en ese remolcador abandonando Nueva Orleans y ella se dedicaría a ser bailarina en Nueva York. Mike Clark descubre que Benjamin era virgen y no era capaz de entender como un hombre a su edad no había mantenido relaciones sexuales todavía así que lo lleva a un burdel donde lo escoge una chica y Benjamin no para de tanto que le gustaba mientras la chica no daba crédito que ese “aparentemente” anciano tuviese tanta energía.

Fue en 1941 en Murmansk (Rusia) donde se aloja en un hotel y siempre se encontraba con una chica llamada Elizabeth Abbott, esposa del ministro británico del Comercio que trabajaba todo el día como espía y siempre se esperaban al final de la noche en la recepción del hotel para charlar, hasta que fue a más y se convirtió en un romance que terminó con una nota donde decía “Encantada de haberte conocido” donde se acabó la historia.

Sucede el ataque a Pearl Harbor que hace entrar a Estados Unidos a la segunda guerra mundial y el presidente del país hace un llamamiento a todos los ciudadanos a que se comprometan a la guerra por lo que Mike ofrece su barco para tareas de salvamento. Al principio no toda la tripulación quiere, pero entre Benjamin y Mike los convencen. Durante esas tareas de salvamento llevando un barco de gran tonelaje y no militar, se encuentran en un confronta miento entre destructores Japoneses y barcos de guerra estadounidenses, incluso un submarino japonés que es el que está torpedeando los barcos enemigos y Mike decide ir contra citado submarino (ellos solo contaban con una ametralladora, así que poco podían hacer) que consiguen destruir pero los destructores japoneses atacan al remolcador y varios tripulantes mueren, entre ellos Mike. Solo se salva Benjamin y otro tripulante que son rescatados al día siguiente por barcos de la Armada.

En 1945 Benjamin (ya como Brad Pitt) regresa a la residencia de ancianos y poco después ve a Daisy en una actuación invitándola a cenar. Al llegar a un palco de la música ella intenta seducirlo pero él al ver que había mantenido relaciones con sus propios compañeros de baile y con otros hombres de mayor edad decide rechazarla. Cabe destacar que las edades son casi homónimas en esa época.

El curioso caso de Benjamin Button (Escena)

Aparece de nuevo el padre del protagonista que está enfermo y a punto de morirse le revela que es su verdadero padre contándole la historia con la inteción que quiere dejar en herencia su fábrica de botones que en la época de la guerra llegaba a producir 4 millones al día cuando antes eran miles, algo que ya venía de herencia familiar donde eran sastres. Lo perdona.

En 1942 Benjamin visita a Daisy en Nueva York sin avisarla pero al ver que estaba enamorada de un compañero de baile decide marchar sin decir adiós. En 1954 los teléfonos ya no son iguales y el director de la película hace dos versiones simultáneas sobre la predicción futura, una donde se ve que si alguien se hubiese retrasado en sus actos no hubiese ocurrido la otra (otra técnica del director) pero como dice la ley de Murphy “Si algo puede salir mal, probablemente saldrá mal” y ocurre realmente la segunda por lo que Daisy sufre un accidente de tráfico que le parte en cinco zonas una pierna acabando su carrera en el mundo del baile. Cuando Benjamin la visita al hospital se sorprende de su apariencia juvenil, pero frustrada por el fin de su carrera lo rechaza y se ve una escena del 2005 donde ella misma reconoce que fue muy cruel.

En 1962 Daisy regresa a Nueva Orleans y se reúne con Benjamin. Ahora sí que se cruzan sus edades en el mismo punto, se enamoran y se van en un velero que tenía Benjamin a conocer mundo. A su regreso se encuentran con un aterrador acontecimiento, Queenie había muerto. Por fin juntos se van a un piso donde se pasan todo el día en la cama, pintándolo… 5 años más tarde Daisy monta un estudio de ballet y le comunica a Benjamin que está embarazada y meses después aparece la figura de la actriz Julia Ormond de pequeña, en ese momento a Pitt le surgen dudas de que Daisy pueda educar a dos peques a la vez puesto que es consciente de que cada vez es más niño, abandona a Daisy después de vender sus pertenencias dedicándose a viajar solo durante la época de los 70.

En 1980 se vuelven a encontrar pero ella ahora está casada y él un adolescente. Daisy lo presenta como un amigo de la familia a su marido. Ella reconoce que tenía razón en cuanto a la separación (no podría cuidarlos por si misma) y parece que la pasión se acabó entre ellos pero no es así, se vuelven a encontrar en un hotel y ninguno pudo frenar al otro.

Ya en la década de los 90 Daisy es viuda y los trabajadores sociales contactan con ella, ya que es la única con vida de esa época, porque encontraron a Benjamin, un niño, en un edificio abandonado, en mal estado y con demencia senil (no es capaz de reconocer a nadie) junto con su diario. Daisy se traslada a la residencia de ancianos en 1997 donde cuidará de él hasta que muera, de hecho hay una escena donde aparece como un bebé (hecho ya mencionado anteriormente). Su muerte fue en el 2003 pero con la edad de 84 años. La película acaba con la muerte de Daisy.

Otros datos de interés

El presupuesto de la película fue de 150 millones de $ y su recaudación en Estados Unidos se estima en casi 334 millones. Es de larga duración unos 166 minutos. Se estrenó en noviembre del 2008. En España, Argentina, Venezuela y Chile fue el 6 de febrero del 2009 y en México el 16 de Enero. El género es una mezcla de estilos que va desde el romántico, fantasía y drama. Su productora y distribuidora es la Paramount Pictures. El guion es de Eric Roth. La música corre a cargo de Alexandre Desplat y la fotografía de Claudio Miranda.

Fue nominada a 13 premios Oscar ganando el de mejor dirección artística, mejor maquillaje y mejores efectos visuales, en los BAFTA tuvo 11 nominaciones ganando el de mejor diseño de producción, mejor maquillaje y peluquería y mejores efectos especiales.


Libro de Visitas

Pablo Herrero Coira ©

Creative Commons License


Esta web ha sido creada por www.ratondebiblioteca.es 2007-2019 ©
Contacto ¦ Legalidad