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Top 10 películas más taquilleras en España Top 5 películas más taquilleras en Estados Unidos



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Escrito por Natalia el 02/12/16

Las amantes del vampiro Pinche en el enlace para votar


Las amantes del vampiro (Portada)

Llevaba un año queriendo leerme Drácula, todos los días lo veía en mi estantería y muchos de esos días pensaba por qué seguía demorando su lectura si sabía que antes o después sus tapas y mis manos se cruzarían. Un día me decidí a empenzarlo y recordé cuanto me apasionaban las historias de vampiros diez años atrás y me estremezco al pensar en ello, porque al decir que hace diez años ya tenía capacidad para apasionarme por algo más que tirarme tierra sobre el pelo en el parque o atravesar montañas en bici con mis amigos a escondidas de mis padres, me hace darme cuenta de que aún no soy vieja, pero si de lo rápido que pasa el tiempo y que en ese transcurso de los años he ido ocultando en un rincón de mi mente gustos que, cuando comencé a dejar de ser una niña para ir adentrándomendome poco a poco en la realidad adulta, desarrollé, profundicé y disfruté pero que con el paso del tiempo al ir conociendo cosas nuevas las reemplacé y escondí, también un poco por imposición del entorno, me intentaron enseñar que está bien o mal para una niña de 13 años y aunque no hacía mucho caso la presión estaba ahi.

También influyeron experiencias aterradoras que, quisiera o no en aquel momento, acabaron influyéndome, experiencias que me envolvieron de miedo y limitaron mi mente y creatividad, pero por suerte eso solo duró un tiempo, porque cuando todo volvió a la calma, la vida siguió su curso y poco a poco fui perdiendo el miedo a conocerme de verdad, se fue cruzando gente en mi vida que contribuyó a profundizar en ese autoconocimiento y finalmente un día se despertó de nuevo mi verdadero yo, un yo completo, en el que se reúnen todas las experiencias aprendizajes y pasiones, viejas y actuales, un yo más fuerte y sobre todo más libre y creativo. No se si sabes de lo que hablo, pero todo esto viene a que en mi despertar se encontraban los vampiros, un tema que me fascinó durante años, pero duró poco como ya he dicho, me volví escéptica y una parte de mi rechazaba todo lo que no fuese real, lo que no fuese adulto. Lo cual me hacia estar un poco muerta en vida ya que, aunque no creas en algo, se puede imaginar sin que eso forme parte de tus creencias, ideología o de la realidad, y cuando limitas la imaginación, se muere un poco, como los vampiros, llamados no muertos, procedente de la palabra rumana Nosferatu, que significa no muerto.

Las amantes del vampiro (Escena)

Medio vivos y medio muertos, pero eso tiene su gracia cuando, como ellos, eres eterno. Cuando nacemos intrínsecamente tenemos un pie en la tumba, y cuando se está medio muerto dentro de una vida que no es eterna, se está doblemente muerto o se vive a medias y por poco tiempo, y nosotros a diferencia de los vampiros no tenemos la eternidad para completar una vida entera vivida a medias. Pues bien, yo desperté y quise vivir al completo, luego ya si algún apuesto vampiro quiere venir y ofrecerme la eternidad, negociaremos. No se que parte me llamaba tanto la atención para pasarme la preadolescencia entera leyendo libros de Anne Rice, escuchando música y alquilando películas relacionadas con el tema, aunque luego fue degradando a cine de terror sin más matices. Cuando empecé a leerme Drácula fue todo muy frío, algo asi como, es una obra maestra, debo leerlo, pero seguí adelante y a partir de desechar esa idea preconcebida, empezaron a cruzarse en mi camino nuevas historias, libros, música y series relacionadas con los vampiros. En concreto me marcó una leyenda, Carmilla. Alguien subió una foto de Drácula a una página web de cine, y otra persona, comentó indignada, la historia de Carmilla, que resultó ser la primera vampíra de la historia y sentía inclinación por la sangre femenina. Yo me indigné un poco al ver esto, porque querían desmontar el mito de Drácula, que vale, sentía más admiración por Lestat que por Drácula, pero de repente ya ni era el más peligroso, ni era rumano, pero hubo algo que me atrajo, era mujer, eso me gustó porque, después de investigar, ciertamente es una leyenda mucho más antigüa que la de Drácula, la novela de Carmilla sale en 1872 y Drácula en 1897, no está inspirada en un asesino como Vlad Teppes, sino en una persona clasificada como vampira entre sus vecinos de la época y además dejaba algo al descubierto, quizás muchos piensen que aprovechamos para sacarle punta a todo pero es que si se analiza es cierto, y es como los hombres se han encargado de no darle protagonismo y de ocultar a Carmilla, y de darle más poder al hombre, como siempre. Quiero aclarar que no me sobran para nada ni Drácula, ni Lestat, ni Damon, de hecho me encantan, tampoco me sobran sus creadores, pero ocultar la historia de Carmilla y crear tantos personajes vampíricos masculinos es como decir, eh, si alguien va a tener la iniciativa de ser poderoso, ese va a ser el género masculino. Y remarco que no me sobran para nada las creaciones de figuras del cine y la literatura masculinas vampíricas. No, eso no, pero si me sobran aquellos que han querido ocultar a la poderosa, maravillosa y sexualmente liberada Carmilla. Después de el descubrimiento, la indignación y la reflexión pasaron algunas semanas, no me olvide de Carmilla, surgían en mi entorno algunas bromas relacionadas con el tema, pero nada más, hasta que un día, aprovechando mi soledad me puse a ver la tele y busqué alguna película interesante y de pasada vi un título y una portada que me llamó la atención, "Las amantes del vampiro", y dudé entre esa y otra que trataba sobre una pareja que se conocia en medio de la guerra de los Balcanes y estaban en distintos bandos, no dejaba de ser Romeo y Julieta pero con tintes históricos, no recuerdo el nombre.

Las amantes del vampiro (Escena)

Al final, como siempre acababa viendo películas con contenidos sociales y políticos, me autocastigué y cambié a los amantes del vampiro, ya que estaba en pleno despertar y tenía que explorar, porque sí, hay veces que me siento mal si solo veo algo por diversión y no por enriquecimiento cultural.

Cuando cambié, ahi estaba ella en todo su esplendor, Carmilla.

La Trama

Vecinos nuevos en el barrio, entendemos como barrio en este contexto, conjunto de hectáreas divididas en varias partes, cada parte con un propietario diferente que ha decidido construir en ellas un castillo y/o palacio en mitad del bosque, y se entiende como vecino al propietario del terreno de al lado, muy diferente al concepto de barrio que supongo que tendrás tú. Los Morton, han decidido montar una fiesta en la que se presentan en sociedad por primera vez los nuevos vecinos, los Karnstein. Mircalla y su madre la condesa se presentan. Todos quedan prendados por su belleza y enseguida van a recibirles e invitarles a bailar. Un hombre misterioso aparece a la fiesta y tras comunicarle la perdida de un querido amigo a la condesa, esta le pide al señor Morton que, por favor se haga cargo de su hija mientras ella viaja en carrruaje para el entierro de su amigo. Mircalla, se integra estupendamente en su nuevo entorno, el hijo del anfitrión se encapricha con ella, pero Mircalla se siente más cómoda con las hijas, en especial con Laura, la hija del general. Mircalla desaparece durante esa noche, todos la buscan, finalmente reaparece, este hecho levanta sobre ella un halo de misterio que a Laura le resulta muy atrayente. Mircalla se vuelve su compañera inseparable y Laura le confiesa que desde hacia días se siente intraquila y no duerme bien, todo a causa de unas pesadillas en las que ve un gato a los pies de su cama y que una noche le mordió los senos.

Las amantes del vampiro (Escena)

El lugar de la mordedura tiene que ver con el alto contenido erótico de la película. Tras la mordedura, Laura no siente vitalidad, su piel se enfría por momentos, se siente profundamente fatigada y apenas puede incorporarse de su cama. La condesa regresa y el general le informa de la muerte de su hija y de la desaparición de Mircalla. Mircalla regresa, todos hablan sobre una ola de asesinatos courridos por la zona, todas mujeres que habian sido halladas desangradas en sus camas, todo apuntaba, obviamente, a una bestia salvaje que había bajado de las montañas a alimentarse por falta de recursos a causa del frio. Mircalla regresa, esta vez con el nombre de Carmilla, la condesa se encontraba en casa de los Morton y conviven unas semanas con ellos, en este tiempo Carmilla conocerá a Emma. Fortalecen el vínculo y Emma comienza a observar comportamientos extraños en Carmilla, como por ejemplo pasear siempre a la sombra, no salir a leer al sol con ella o sus largos paseos nocturnos. Un día Carmilla maravillada por su compañera Emma, le confiesa a esta su fascinación y amor profundo que siente hacia ella.

Opinión

Me encantó la pureza y autenticidad de los efectos especiales, ya que es una película de bajo presupuesto y practicamente no tiene y las películas de serie B siempre me han parecido muy atractivas. Cargada de erostismo y belleza, ya que yo diría que es una película erótica.

Hay quienes pueden catalogarla como machista y destinada a un público masculino, y quienes piensen como yo, que mientras aquí las mujeres por orden de una dictadura y una institución religiosa tenían prohibido llevar una falda por encima de las rodillas, si no se las condenaría a la eterna humillación entre sus vecinos y amigos, en esta parte de Europa las mujeres gozaban de algo más de libertad sexual, mucho mayor, en mi opinión, que aquí en aquel momento. Además según como se mire, esta película podría considerarse como una de las primeras enfocadas a un público bisexual, que tampoco es que abunde en la actualidad.

Las amantes del vampiro (Escena)

En mi opinión, es una película valiente porque se atrevió a reflejar una realidad libre de prejuicios, frente a la otra parte represora que persigue con ansiedad acabar con ella e imponer su orden. Podríamos decir que Mircalla/Carmilla es revolucionaria. Me voy a atrever a decir que la figura del vampiro, vampira, brujas y ciencia a lo largo de la historia, aunque antagónicas entre sí y separadas por el empirísmo y la leyenda, siempre han ido de la mano en cuanto a la crítica a la iglesia, que hoy en día representa de nuevo la ciencia junto con los movimientos sociales y políticos revolucionarios. Pero este personaje en concreto es rebelde al cubo, primero, desafía las creencias religiosas, que respeto a quien quiera tener un dios, pero no a aquel que quiera obligar a crear una sociedad basada en sus creencias religiosas, segundo se enfrenta a las imposiciones sociales sobre la libertad sexual de las personas, aunque más concretamente de la mujer que siempre ha sido un tabú la libertad de las mujeres para sentir placer cuando y con quién nos apetezca y en tercer lugar representa un papel de mujer independiente y fuerte frente a la imagen de sumisión y debilidad que en aquel momento, tanto en 1872 cuando salió la novela como en 1970 cuando salió esta película, querían que se extendiese en la sociedad a conveniencia de una sociedad profundamente machista. Carmilla demuestra que se puede ser poderosa y fuerte sin un hombre que te acompañe ni te proteja. Pero todo no va a ser un camino de rosas, recuerda que es una película de 1970, y el patriarcado y la iglesia estaran presentes en la película, lo cual me decepcionó, pero merece la pena ver a Carmilla en todo su esplendor y tomarla como referencia. Espero que en el libro esa parte sea eliminada. Aún no he podido hacerme con él pero espero ansiosa el momento.

Cinematográficamente no está entre mis películas favoritas, pero he querido dedicarle un espacio en mi tiempo y reflexiones ya que me llamó la atención y me inspiró en un momento clave. Se la recomiendo a los amantes del cine clásico, serie B y de vampiros.

Interpretación

Marcilla / Carmilla / Mircalla Karnstein (Ingrid Pitt)

Laura (Pippa Steele)

Emma Morton (Madeline Smith)

Carl Ebhardt (John Finch)

General von Spielsdorf (Peter Cushing)

Roger Morton (George Cole)

La condesa (Dawn Adamms)

La institutriz, Madame Perrodot (Kate O'Mara)

La interpretación de los actores en general no está de Óscar, y menos la de John Finch, que no me cautivo ni mucho menos, y en este caso no me quedo con la frase "no hay papeles pequeños sino actores pequeños" ya que dos años después el magnífico Alfred Hitchcock le dió el papel protagonista en una de mis favoritas de Alfred Frenesí(1972) y ahí John brillaba. John Finch interpreta en Las amantes del vampiro el amor platónico de Emma, lo cual me costó comprender por una combinación de factores entre la interpretación, en la que de repente le veías metiendo espadazos al aire en un momento que no venia a cuento y el corte de pelo que le ponen al pobre chico en la película, aunque es una persona bastante guapa. Supongo que no me iba a caer bien de todas formas ya que en las películas de vampiros siempre me posicionó del lado de los vampiros, aunque los protagonistas sean cazadores de estos, pero esas no disfruto viéndolas tanto. Me quedo con la interpretación de la institutriz (Kate O'Mara) capaz de plasmar la locura del deseo desenfrenado y la desesperación que causa la incomprensión de un amor no correspondido. Ingrid Pitt interpreta a Carmilla una vampira cargada de erotismo por exigencia del guion, que eso nunca está de más desde mi punto de vista, pero en esta ocasión se exceden ya que debería dar miedo y no darme ganas de acostarme con ella. Aún así su interpretación está cargada de matices que engloba la idea de la vampira clásica que tengo en mente.

Desde el momento que la vi se hizo dueña y señora del averno.

Otros datos

La escenografía de la película, a pesar de su bajo presupuesto, no es ni mucho menos precaria o desprimente, es elegante, como el vestuario, aunque en ocasiones escaso. Si es cierto que las escenas en las que se necesitan efectos especiales pueden resultar bastante cómicas pero también curiosas para aquellos que no hemos tenido tiempo de disfrutar del cine cuando apenas tenía medios para plasmar según que cosas. No pierde en ningún momento el romanticismo vampírico tan elegante que caracteriza a este género.

Es la primera película de la trilogía de los Karnstein, basada en el relato de Carmilla de Sheridan Le Fanu 1872, por si lo quieres leer. Esta vampira posee tres nombres para despistar y huir de los curas y cazavampiros que quieren darle caza, Carmilla, Marcilla, Mircalla. A mi también me despistó mientras veía la película.

En el relato estos nombres eran utilizados por mujeres aparentemente diferentes pero que resultaban ser la misma persona, en la película no tenían presupuesto para tres actrices. Los tres nombres contienen las mismas letras pero en distinto orden. Marcilla Bebe y come como cualquier humano, no necesita volver a la tumba cada día, puede pasear a la luz del día pero le molesta el sol, se derrite y se desintegra. En algunos paises europeos se comenzaron a hacer este tipo de películas, a veces en coproducción y conseguían buenas recaudaciones, había más sangre y sexo que en las de la productora Hammer, y se subieron al carro. Hammer es la productora de The Vampire Lovers, título original de esta película.

La dirección corre a cargo de Roy Ward Baker, la producción Harry Fine, el guión Tudor Gates, la música Harry Robertson, la fotografía Moray Gran.

El país del celuloide Reino Unido, el año 1970, clasificada como género de terror, comedia (depende de la actitud con la que se vea), la duración 89 minutos, los idiomas Inglés, Alemán, aunque la película esta rodada en inglés, la historia de Carmilla se desarrolla en Austria y de vez en cuando hablan en alemán pero ni se molestan en subtitularlo.

La productora es Hammer Productions, la distribución corre a cargo de American International Pictures.


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Escrito por Prato el 11/01/17

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Rogue One

El golpe más importante de los rebeldes contra el Imperio Galáctico

Muchos conocen el universo de Star Wars y están fascinados por el misticismo que le rodea y no es un secreto para nadie que esta saga siempre mantendrá su atractivo gracias a su dinámica historia, personajes geniales y lo épico que una saga espacial de este calibre pueda encerrar.

Esta nueva producción, titulada Rogue One: Another Star Wars Story, narra los eventos que desencadenan la historia del ya mundialmente conocido Episodio IV (1977) y que, de hecho, explica algunas posibles fallas en la trama de esta última. Aún a pesar de que en la primera producción de la saga, hace ya 40 años, no se explica cómo los planos de la Estrella de la Muerte llegan a las manos de la Alianza Rebelde, es un hecho que, sin duda, ha generado bastantes teorías, discusiones e incluso, alguna que otra especulación por parte de la fanaticada. Cuatro décadas después y como un pequeño abrebocas de lo que depara para el octavo episodio de la saga a estrenarse este año, finalmente se revela lo que ocurrió.

Yo no tiendo a dar adelantos de una trama, ya que me gusta que el público experimente de primera mano la historia y así poder generar una discusión mucho más dinámica entre los lectores, así que más allá de lo que les dije arriba, no contaré sobre la historia, pero sí hablaré de algunos de los aspectos técnicos que rodean esta producción, así como otros detalles de la historia que son relevante a la trama.

La fuerza

Aunque no parezca, la mística Fuerza sigue jugando un papel muy importante en esta entrega y es que aunque no haya ningún Maestro Jedi a la vista, esta sigue siendo una especie de religión instaurada que se ha posicionado en este universo (aún a pesar de que, 19 años antes en la historia de este universo, el Emperador Palpatine llegara a erradicar todo cuanto a los caballeros de la orden Jedi esté relacionado e imponer su mano de hierro en la galaxia) y de manera muy disimulada, aún tiene practicantes y creyentes, como es el caso de Chirrut Îmwe interpretado por Donnie Yen.

Darth Vader

De igual manera, somos testigos del poder que el lado oscuro de la Fuerza puede tener, ya que la aparición de su máximo representante, Darth Vader, nos lo deja muy en claro; no solo por la trayectoria de este personaje, sino porque, en esta ocasión, muestra al público su lado más despiadado y sanguinario, demostrando porqué se ha ganado su puesto como uno de los villanos más temibles en toda la historia del cine, manteniéndolo durante años.

Gareth Edwards

El director de esta cinta tiene un repertorio bastante corto y modesto, en el que predominan producciones para televisión como Día Final (2005), documentales televisivos como Desastre Perfecto (2006) y Héroes y villanos (2008); así como producciones cinematográficas reconocidas, siendo el caso de Monsters (2010) y Godzilla (2014).

Ciertamente, Edwards logró hacer de este filme un trabajo muy bien logrado, con armonía en cada escena y obteniendo planos muy bien elaborados, así como una interpretación bastante natural por parte de los actores y una química bien lograda entre ellos mismos. Bajo su dirección, el producto final ciertamente logró un dinamismo que poco aburrirá a los espectadores y que no les permitirá levantarse de sus asientos hasta el final de la cinta.

La música de Giacchino

Michael Giacchino se ha hecho una sólida carrera, creando piezas reconocibles e inimitables, como lo fue en Perdidos (Lost), Star Trek (2009), entre otras producciones televisivas y cinematográficas. Ciertamente no puede comparársele con las piezas compuestas por el genial John Williams para la saga, pero este compositor logra muy bien su cometido de armonizar las escenas y completar el proceso de identificación de la audiencia con el filme, generando el ambiente propicio que asociará esta producción con Star Wars, no solo por la historia que narra musicalmente, sino por la manera tan natural en la que incluye tonadas ya conocidas a una banda sonora novedosa y tan dinámica como el resto de la producción.

Los huevos de pascua

Si es verdad que desde hace algunos años se ha puesto de moda en incluir los populares huevos de pascua (eastern eggs) en las producciones de una franquicia, la saga creada por George Lucas lleva las de ganar. Esta cinta está llena de estos y aquellos que son realmente fanáticos de la saga necesitarán verla más de una vez para encontrarlos todos. No solamente tenemos los más obvios como la Base Rebelde en Yavin IV, las salas y pasillos de la Estrella de la Muerte o el icónico corredor de la nave de la Princesa Leia, sino que, además, podrán ver algunas naves de otros arcos en la historia de este universo ficcional, personajes y objetos que han sido importantes en su respectivo momento. Lo genial de esta producción está en el detalle de que todos estos fueron incluidos como parte del ambiente de una escena, escenografía o incluso como un algo que pasa fugazmente de un lado a otro de la pantalla.

¡Apuesto a que más de uno ya habrá encontrado algunos bien interesantes!

La historia

Honestamente, estamos ante un guión bastante sólido y bien ejecutado. La historia tiene un desarrollo bastante armónico y secuencialmente lógico, que mantiene al espectador en todo momento atento a cada una de las secuencias y que, además, permite que el espectador pueda seguir la trama con mucha facilidad desde el momento inicial.

Los diálogos de los protagonistas son muy interesantes y demuestran la naturaleza y personalidad de cada uno a lo largo del filme. Ciertamente nos encontraremos con parlamentos muy conocidos de toda la saga como el famoso “Tengo un mal presentimientos sobre esto” y “que la fuerza os acompañe”, pero también nos encontraremos con diálogos muy emotivos y profundos que nos dejarán ver el lado más profundo de cada uno de ellos y lo que nos permitirá observar cómo crecen a medida que la historia se desarrolla.

Asimismo, habrá momentos en el que nos relajaremos de toda la tensión en medio de la acción y el drama con momentos y diálogos realmente hilarantes, que sellarán para siempre la identificación del público con la cinta y le darán a esta el contraste necesario para hacer de ella una producción realmente completa a la hora de entretener.

Los personajes

Los héroes

Cada uno de los personajes, tanto principales como antagónicos, están muy bien estructurados, mostrando detalladamente sus motivaciones y ambiciones, esto último en el caso de los antagonistas, así como las actuaciones de los estelares están muy bien logradas, dando en cada uno de ellos ese carácter con el que se harán reconocibles durante el desarrollo de la trama.

El reparto, en mi opinión, está muy bien escogido por Jina Jay, responsable por los estelares que aparecen en cintas como Munich (2005), El Gran Hotel Budapest (2014), entre otras y cada uno de ellos cumple perfectamente el rol para el que fue escogido, creando la empatía con el público por parte de los héroes y el desprecio y odio hacia los villanos.

Quisiera destacar las actuaciones de Felicity Jones y Diego Luna, quienes interpretan a Jyn Erso y Cassian Andor respectivamente, cuya química está muy bien lograda a la hora de actuar sus papeles, logrando que nos sintamos parte de la trama e incluso, nos cautivan con la manera en que cada uno de ellos demuestra su aspecto más profundo a nivel de personalidad a lo largo de la saga y cuyo profesionalismo nos deja ver cómo evolucionan hasta volverse personajes dignos de recordar con entusiasmo en el universo de Star Wars.

Peter Cushing y Guy Henry

Por supuesto, Guy Henry, interpretando el papel del Governador Tarkin quien originalmente fuese representado por el ya fallecido Peter Cushing, lo hizo perfectamente. Capturó en casi todo detalle las expresiones y movimientos de su predecesor y como nota interesante, quisiera mencionar que es la voz de este actor la que escuchamos en el largometraje y no la de una recopilación digital de la voz de Cushing. Por su parte, Ben Mendelsohn, el malvado Director Militar Orson Krennic, es quien logra crear el verdadero ambiente antagonista, haciendo sentir al espectador la tensión que solo un villano bien construido puede lograr, haciéndose odiar por el público con su sola presencia a lo largo del filme.

Los efectos

Sin duda alguna, los efectos especiales presentes en esta producción merecen una mención especial, ya que no solo están bien hechos y añaden un realismo a la cinta, sino que, además, le agregan ese toque místico y épico a la vez que ha caracterizado a las producciones de esta saga, transportándonos durante los 140 minutos de proyección a esa galaxia muy, muy lejana y llena de aventuras que no pueden esperar a ser vividas y revividas.

Los procesos de captura digital que se emplearon para los personajes digitalizados, además de ser complejos, logran su cometido en el producto final, entregándonos visiones realistas de alienígenas y algunos androides, así como la reaparición en pantalla del ya fallecido Peter Cushing en un realismo que hasta ahora ha superado cualquier muestra anterior.

De la misma manera, la digitalización de escenarios y batallas espaciales tienen su puesto bien ganado, ya que logran crear esa atmósfera capaz de cautivar a la audiencia con su genialidad y que a la vez hacen a la imaginación quedar pequeña con lo bien logrado de las texturas, colores, sombras y dimensiones de las mismas.

En conclusión…

Ciertamente, Rogue One se ha ganado su puesto entre las mejores películas de la temporada, alcanzando las expectativas del público y superándolas con creces, por lo que hizo que valiese la pena los meses de espera entre la fanaticada y el público en general.

Cargada de acción, emoción, drama y mucho más, Rogue One es un filme que recomiendo al público ampliamente y si aún no la han ido a ver, sugiero que no esperen ni un minuto más para ir a su cine favorito y disfrutar esta entretenida producción.

¿Ya vieron este filme? ¡Coméntennos qué les pareció!

¡Nos veremos en el cine!


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Escrito por Mplanet el 24/01/17

Charles Mingus Pinche en el enlace para votar

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Declaraciones de Charles Mingus en su autobiografía publicada en 1971

“En mi hay tres hombres. Uno está siempre en el centro: indiferente, impasible, observa, espera que los otros dos le dejen expresarse y decirles lo que ve. El segundo es como un animal asustado que ataca por miedo a ser atacado. Y después hay un hombre dulce y desbordante de amor que deja a los otros penetrar hasta su sanctasanctórum interior, encaja insultos, confía y firma contratos si leerlos, se deja convencer de trabajar por poco o nada y, al darse cuenta de que le han engañado, siente deseos de matar y destruir todo lo que le rodea, incluso a sí mismo, somos castigo por haber sido tan estúpido. Pero no puede y vuelve a encerrarse en sí mismo”.

Mingus provenía de una familia en que se mezclaban diferentes nacionalidades como la europea, china y afroamericana. Siempre tuvo conciencia de sus mestizas raíces donde las defendería y protegería hasta el fin de sus días.

Nació el 22 de abril 1922 en Nogales, Estados Unidos. Su madre falleció al poco tiempo nacer y Mingus quedó a cargo de una dura y estricta madrastra donde la única música que se podía escuchar en aquella casa era la de la iglesia. A sí que Mingus empezó a introducirse en la música a través de la iglesia. Pero poco a poco fue afinando su oído a otros estilos como el jazz escuchando a Duke Ellington.

Ya de joven empezó tocando el trombón, después se interesó por el chelo, pero tras conocer que dicho instrumento era más propio de blancos que de negros, lo rechazó y se pasó al contrabajo, donde lo estudió durante ocho años mientras seguía un curso de composición con el célebre músico Lloyd Reese.

Su carrera profesional la empezó desde arriba, desde lo más alto. A mediados de los cincuenta empezó tocando a las órdenes de Charlie Parker, Miles Davis o Art Tatum.

Pero Mingus, era una persona con mucho orgullo y amor propio y no quiso ser el segundón de nadie. A sí que emprendió un nuevo aprendizaje a través de la “third stream” (una mezcla de jazz con música sinfónica) y música de vanguardia. Poco a poco se fue forjando como músico y en 1952, junto con el gran batería y uno de los pioneros del bebop, Max Roach, fundan su propio sello discográfico llamado Debut Records.

Mingus no ha parado de trabajar como músico de estudio y en directo. A todo esto, sus discos de mayor relevancia están considerados como obras maestras de la historia del jazz, dando al contrabajo la importancia que se merecía.

Charles Mingus

No he podido escuchar todo su extenso y dilatado trabajo, que abarca desde 1953 hasta 1977. En estos veinticuatro años de carrera destacaría el The Black Saint and the Sinner Lady publicado en 1963 con el prestigioso sello Impulse!. Se trata de una suite en seis movimientos representada por una big band de once músicos. La influencia de Duke Ellington en este álbum es indudable, donde (a pesar de ser una big band) los músicos tienen cierta libertad de expresión musical.

Charles Mingus (Portada)

Es un disco que se grabó en una sola sesión a pesar de su compleja dificultad. Mingus fusiona la tradicional música de jazz con su orquesta de big band con retazos sonoros muy propios del este de Europa (al menos a mí me lo recuerda) y el sur de dicho continente donde los solos improvisados de una guitarra española tocada por Jay Berliner te deja no menos que sorprendido. A todo esto hay que incorporar esa sonoridad muy típica que nos ha ofrecido el jazz de los bajos fondos muy propios del film noir (cine negro) y las películas de gánsteres. Escuchando éste disco pienso en la mafia, en crímenes, en tugurios llenos de humo, en días lluviosos llenos de niebla, en policías corruptos, en el Nueva York o el Chicago de los años 40 y 50, en la noche, en inspectores secretos dándole al Burbon en un antro deprimente lleno de perdedores mientras escucha a una cantante de jazz. En cierto modo, esa época tiene algo de fantástico y romántico al mismo tiempo, del mismo modo que lo tiene éste disco de Charles Mingus, una suite que nada tiene que ver con la época en la que se hizo (1963) en el que jazz estaba inmerso en un estilo mucho más espiritual, más funky y al mismo tiempo mucho, pero mucho más libre (free jazz… véanse Ornette Coleman por ejemplo) Es un álbum de gran importancia en la carrera de Mingus, ya que fue la primera vez que se sentó delante de un piano para grabar un disco.

Charles Mingus era un tipo contundente dentro y fuera del escenario. Fervoroso luchador por los derechos civiles de los negros americanos, le tocó luchar en más de una vez al respecto y se enfrentó a las discográficas para no ser engañado por el simple hecho de ser negro.

Por otra parte, también batalló contra las drogas y el alcohol. Llegó a romperle la mandíbula de un soberbio puñetazo a su trombonista, Jimmy Knepper, cuando lo encontró en unos lavabos metiéndose una aguja hipodérmica entre las venas. El caso llegó a los tribunales y Mingus fue condenado.

Mingus, era un excelente músico, de mente abierta a la hora de componer, siendo todo un explorador musical como hemos podido ver en el tema anterior. Amaba la música latina y se arriesgaba a la hora de combinar instrumentos aún insólitos en terreno del jazz. A parte de su extraordinaria música, también fue conocido por su forma de expresarse en los medios de comunicación:

"No llamo jazz a mi música. Jazz es sinónimo de música hecha por ciudadanos de segunda clase, música de "negratas". Es una palabra que aleja a los músicos negros del dinero que les corresponde. Toco música y me gusta la música. La buena. No es Jazz, es buena música”.

El periodista y biógrafo amante del jazz Nat Hentoff, piensa en Mingus como un músico de jazz atípico e imprevisible:

“Mingus no fue sólo uno de los mejores y más originales contrabajistas de la historia, fue también uno de los pocos solistas legendarios que dejó un corpus distintivo de composiciones continuamente imprevisibles”.

Charles Mingus no paró de realizar conciertos hasta en 1970 en que le detectaron una esclerosis lateral amiotrófica.

Falleció en Cuernavaca, México, el 5 de enero de 1979. Por petición suya, sus cenizas descansan en el río Ganges.

Charles Mingus

“Todo lo que hago es Mingus music”


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Escrito por Natalia el 25/01/17

La ventana indiscreta Pinche en el enlace para votar


La ventana indiscreta (Portada)

Me invitaron a ver La ventana indiscreta, por tercera vez en mi vida, aunque con un margen de visualización entre la segunda y la tercera vez de unos 5 años, aproximadamente. Acepto a regañadientes la oferta solo por ver los ojazos de James Stewart en una pantalla más grande que en la que estoy acostumbrada a verle. Mi resistencia irracional a ver La ventana indiscreta tiene una explicación. Se debe a que siempre que me preguntan por mis películas favoritas la primera que menciono es Lost in translation y siempre tengo que luchar contra el comentario de "uf, que lenta" e inmediatamente pienso en que la lentitud no es eso, sino algo más como lo que ocurre en La ventana indiscreta. Cuando ya está todo preparado para ver la película, menos la película, notando una fuerte insistencia en ver un clásico de Hitchcock, pero sin percibir especial entusiasmo por The rear window, título original, aprovecho para meter el dato, sugiero otras del mismo director en un intento por escapar de esto que en mi recuerdo es algo así como una tortura medieval. Mientras espero a que mis persuasiones hagan efecto y me agacho una milésima de segundo, al volver a incorporarme me encuentro a James Stewart congelado en la pantalla, sentado en una silla de ruedas con una pierna escayolada y una reflex entre las manos, en ese momento me empecé a poner nerviosa, como cuando de niña me llevaban al médico y este me decía muy sonriente que me saliese fuera a esperarle, que cuando me llamase me iba a pinchar en el culo. Me empecé a imaginar dos horas interminables de silencios eternos, en un mismo escenario estático en el que las situaciones se desarrollan al mismo ritmo que en la vida real, recordé que fue el propio Hitchcock el que dijo aquello de que un buen drama es como la vida sin las partes aburridas, y pensé en que esa frase se le debió ocurrir despues de hacer esta película y otra ristra de crueldades más que, si el propio Alfred hubiese escuchado, hubiese elaborado un personaje, le hubiese hecho pasar por un montón de torturas hasta darle un horrible final y le hubiese puesto mi nombre. También pensé en quedarme dormida, esas cosas pasan y más a esas horas, no quedas mal y das aspecto tierno, pero no tenía sueño y sabía que me la iba a comer, no era una cita y mi hermana, si me duermo, tiene la confianza suficiente como para despertarme de un guantazo o metiéndome el dedo en la nariz. Sabía que tenía que devolverme la del día en el que me dijo que le apetecía verse una pelicula divertida y yo le dije que viese Las leyes de la casa de la sidra y acabó llorando. Creía que ya me la había devuelto cuando tiempo después de esta pequeña anécdota, me dijo que viese la película de El lector, que me iba a encantar, en la que una de mis actrices favoritas hace de nazi asquerosa que no contenta con su contribución a la sociedad decide meterse en una relación con un niño judio de unos 15 años, este se enamora de ella perdidamente, mientras ellas tendría unos 35 ó 40, lo cual no sería malo si a ella no le pareciese mal arruinarle la vida a él también, porque debe de ser que le supo a poco lo de los campos de concentración. Hablo de Kate Winslet, ese dia se me cayó un mito, además de dejarme apática el resto de aquella preciosa tarde de verano.

La ventana indiscreta (Escena)

Esa fue una buena venganza, ahora bien, un día El lector y otro dia La ventana indiscreta ya se podría considerar abuso. Pero no me escapaba por más que buscase salidas, ese día iba a volver a ver por tercera vez la ventana indiscreta sin ganas, ese día era 12 de diciembre, el mismo día en el que había leído un artículo en el que se comentaba, como curiosidad, que Marion Crane, trás cometer un robo y huir con el dinero bajo el brazo se aloja en el Motel Bates de la película psicosis un día 12 de diciembre. Sin ganas hasta que me vi envuelta de nuevo en la intensidad de la deliciosa atmósfera creada por Hitchcock.

Trama

Jeff (James Stewart) es un reportero fotográfico que trás un accidente es escayolado de una pierna y debe permanecer en reposo. Contempla la realidad a través del ventanal de su casa e intenta evadirse observando la vida de sus vecinos hasta completar su recuperación. Le llama la atención su vecina la bailarina de vida ociosa Miss Torso (Georgina Darcy). Su novia, Lisa (Grace Kelly) le visita e intenta mantenerle distraido y alejado del aburrimiento. Su enfermera, Stella (Thelma Ritter) se pasa a diario por el apartamento del señor Jeff para ayudarle con el aseo, la alimentación y otras tareas que le ayudaran a sobrellevar las interminables horas de voyeurismo desenfrenado. Stella, que le visita con asiduidad, comienza a percatarse de un cambio en la actitud de Jeff, ya que solo le interesa mirar por la ventana y seguir la vida diaria de sus vecinos como si de una telenovela se tratase, incluso cuando esta intenta entablar una conversación para sacarle de la rutina. La preocupación de su enfermera Stella y de su compañera Lisa comienza a incrementar cuando Jeff empieza a preocuparse por la vida de una de sus vecinas a la que hacía días que no veía. Ambas le proponen invertir el tiempo en otras distracciones, pero ninguna consigue que aparte su mirada del vecindario, es más, es él quien logra que ellas acaben con el rostro pegado contra los cristales mientras escuchan las hipótesis de Jeff y contemplan las casas sin perder detalle de las diferentes situaciones que se iban desarrollando.

la ventana indiscreta (Escena)

Jeff por su parte ha dejado de dormir en su cama para empezar a dormir en la silla y no perderse detalle, ya que vive con el presentimiento de que algo terrible le ha ocurrido a esa mujer. Asi que decide llamar a un amigo el detective Thomas (Wendell Corey) que le toma por un enfermo delirante. Todo deja de ser un juego de niños que se creen detectives en el momento en el que un grito de horror procedente del jardín de los vecinos de enfrente advierte al resto de un misterioso asesinato. La vecina del 2º piso ha encontrado el cuerpo asesinado de su perro.

Opinión

Opino que las dos primeras veces que vi la película iba borracha. No voy a decir que es mi favorita de Hitchcock porque para eso ya esta Vértigo (1958), pero si diré que es una película en la que si el espectador pone los cinco sentidos en ella, puede llegar a ser fabulosa. El guión escrito en colaboración con John Hayes, describe y encaja a la perfección cada secuencia, me gustan los guiones bien elaborados y cuanto más se diga en ellos más me va a gustar la película, ya que la elocuencia creativa, término que me acabo de inventar por supuesto, me resulta muy atractiva, supongo que la culpa de esto la tiene mi amado Woody Allen y los ingeniosos guiones que su creatividad vomita desde lo más profundo de sus sentimientos y reflexiones, capaces de encerrar en una frase tres intenciones distintas que te impiden desdibujar del rostro la expresión de asombro y aguantar la risa hasta el final de la película. Pero con esta última visualización de la cinta he vuelto a apreciar los silencios largos, las palabras concretas en momentos decisivos, el sonido de la saliba al atravesar una garganta contraida por el miedo o de la respiración excitada, detalles que pueden llegar a expresar más que una película llena de conversación o narración.

Esos silencios son los que utiliza Hitchcock para generar en el espectador la sensación de inquietud y misterio que hace especiales sus películas. Los silencios aunque aterradores son excitantes porque anuncian la llegada de un momento en el que nos arriesgamos a experimentar sensaciones nuevas. Cuando hay silencio es porque se necesita tiempo para pensar y desarrollar nuevas formas de actuar o pensar, estamos en arenas movedizas y un paso en falso puede influir de forma positiva o negativa en los momentos posteriores. La vida esta llena de silencios, no hablo solo de los pequeños silencios que preceden un momento concreto, como por ejemplo un silencio incómodo anterior a una conversación forzada, me refiero más bien al tipo de silencio en el que tus sueños se desarrollan en tu mente en el momento que empiezas a dar pequeños pasos para conquistarlos. El silencio en el que cruel y lentamente la vida te va arrebatando la salud de un ser querido, silencios que aparecen en el alma inmediatamente después de la tempestad y duran lustros, el silencio en el que los actos pequeños cambian un poco a mejor el mundo día a día o si no lo cambian al menos hacen prevalecer la esperanza de que un lugar mejor es posible, silencios en los que nacen las decepciones o el silencio que alberga el enamoramiento hasta que las dos mentes deseadas mutuamente logran encontrar la armonía y el placer conjunto.

La ventana indiscreta (Escena)

Supongo que Hitchcock conocía muy bien sobre todo tipo de silencios y supo plasmarlos en el cine. El silencio aterroriza, somos seres sociales con necesidad de compañía y tendencia a la creatividad, vivir en completo silencio indica soledad y falta de creatividad, en el momento en el que falte alguna de las dos estas perdido, de que sirve la creatividad si no puedes compartirla en algún momento y la compañía sin creatividad acaba siendo un trámite aburrido e innecesario.

La escenografía y la luz de la película me aportaron tranquilidad y por momentos sentía la casa de Jeff como si fuese mi hogar. Nunca me rendí con esta película por los pensamientos que siempre surgían en mi mente al empezar a verla, el primer impulso es criticar al protagonista por espiar a sus vecinos, pero siempre caigo en la misma trampa, Hitchcock nos quiso decir con el personaje de Jeff, "así de ridiculos os veis vosotros cuando veis mis películas". Podría decirse que está dedicada y basada en el espectador, en la forma en la que una persona externa a un conflicto reacciona a medida que la situación se sale de la línea de la moralidad y como pueden reaccionar ante ello. En esas situaciones se puede comprobar que tipo persona se es. Se dice que no solo los que ejecutan con sus propias manos una acción perjudicial para otros son los malos, sino también aquellos que lo presencian y no actúan. También se dice que el cementerio esta lleno de valientes y las cárceles de los que contestan sin ser preguntados.

Pero no creo que la intención de Hitchcock sea avergonzar al espectador por su cobardía o enorgullecerle por su valentía, porque su cine no va de eso, creo que su intención es despertar nuestras mentes o hacerla más activa ante los problemas y con ello conseguir dejar una huella mucho más profunda en nuestras mentes y pronlongar la inquietud, el misterio y la sensación paralizante de tener el miedo metido en los huesos hasta horas después de haber terminado de ver la película, no solo esta si no cualquiera de sus rodajes cinematográficos o capítulos de su serie. No es una película de miedo ni suspense como tal, ya que posee dosis de humor sarcástico que logra sacar al público de la ansiedad de la situación y refresca el contexto apartando por un momento los problemas como puede suceder en la vida real. Si estas leyendo esta entrada, te recomiendo que la veas si aún no la has visto y si ya la has visto te recomiendo que le des una segunda vuelta. Los detalles de esta película son los que la hacen una obra maestra.

Lo que más me ha gustado ha sido la interpretación de James Stewart, no puedo decir otra cosa ya que es mi actor favorito, sobre todo en papeles de Hitchcock y cuando hace películas en color como esta, lo de ver el claro de sus ojos suma puntos. Me encanta la forma en la que se expresa sin pronunciar una palabra, te lleva a imaginar una palabra clave que segundos después Hitchcock confirma con una imagen contundente. De Grace me enamoró en esta película su presencia en escena y como interpreta el papel de mujer intrépida dentro del cuerpo de una dulce y elegante dama, porque al contrario de lo que muchos digan las mujeres podemos ser todo lo que queramos a la vez, y Grace Kelly lo demuestra en esta película. Tampoco es mi favorita de ella, prefiero su interpretación en Atrapa a un ladrón (1955) mientras conduce en una época que eso era impensable para muchas mujeres, además de la historia que encierra detrás esa carretera, pero de eso mejor en otro momento. De Thelma Ritter me encanta como interpreta el papel de enfermera/empleada del hogar exprerimentada a gusto con su trabajo y su entorno laboral que es lo que le da fuerzas para hacer bien su trabajo, su interpretación gestual es impecable, en cuanto al papel que interpreta, me encantan los consejos que le da Stella a Jeff sobre el amor y como debe actuar en su relación para que sea duradera si no quiere perder a una gran mujer como Lisa con su actitud arrogante y en todo momento pone de ejemplo su relación de la que se siente muy orgullosa, esto hace que Jeff se abra y la relación entre ambos se fortalezca.

Por mi parte diré que, al final, mi hermana se durmió y yo estuve atenta hasta el final.

Curiosidades

El decorado fue construido en los estudios paramount a lo largo de dos meses. 31 apartamentos, 12 de los cuales estaban amueblados y disponían de agua y electricidad. Miss torso (Georgina Darcy) "vivió" en su apartamento durante un mes las horas que duraban los rodajes a diario, ella desarrollaba las mismas actividades que en su propia casa aunque no estuviesen rodando. Personalmente, considero que miss torso es de los personajes más divertidos porque refleja la libertad y desinhibición que experimentamos en la intimidad.

Los actores que interpretaban a los vecinos llevaban auriculares en iban siguiendo las órdenes de Alfred Hitchcock a medida que este iba rodando.

Se utilizaron mil luces de arco para simular la luz del sol.

La caracterización de Grace Kelly viene inspirada por la mujer del guionista, John Hayes.

El romance entre Jeff y Lisa viene inspirado por la relación entre Robert Capa e Ingrid Bergman.

Es la única película en la que Grace Kelly fuma.

Georgina Darcy, Miss torso, no seguía ninguna coreografía en sus bailes y Hitchcock le obligó a no tomar clases de danza, para que se notase que no era profesional. Como ya he dicho, este personaje y el de la pareja de recién casados que se tiran durante toda la película manteniendo relaciones sexuales y solo abren la ventana para fumar, son mis favoritos.

Todos los amantes del cine de Hitchcock saben que este hacía un cameo en todas sus películas, en esta sale a la media hora en la casa del músico.

Frases

"Esa no es una mirada ordinaria. Es el tipo de mirada del hombre que teme que alguien lo vigile."

"Inteligencia. Nada ha causado más problemas al ser humano como la inteligencia."

"No importa cómo te ganas la vida. Me gustaría ser parte de ella. Es triste ver que la única manera de ser parte de ella es suscribiéndome a tu revista."

"¿Desde cuándo las flores se encogen en dos semanas?"

"Válgame. Somos una raza de mirones."

Otros datos

Duración de 110 minutos, país son los Estados Unidos, la música es de Franz Waxman y Robert Burks, la productora Paramount Pictures y el género es intriga/película de culto.


Libro de Visitas

Natalia Cañadas ©

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