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Top 10 películas más taquilleras en España Top 5 películas más taquilleras en Estados Unidos



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Escrito por Pilar el 08/11/15

Luces de la ciudad Pinche en el enlace para votar


Luces de la ciudad

FICHA TÉCNICA

Año

1931

Duración

81 min.

País

Estados Unidos

Director

Charles Chaplin

Guión

Charles Chaplin

Música

Charles Chaplin

Fotografía

Rollie Totheroh y Gordon Pollock (ByW)

Reparto

Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers, Al Ernest Garcia, Hank Mann, Jack Alexander, Tom Dempsey, Henry Bergman

Productora

United Artists

SINOPSIS

Un vagabundo que trota por las calles conoce accidentalmente a una florista ciega de la que se enamora. Impresionado por la pobreza y la desgracia de la muchacha, que lo toma por millonario, decide ayudarla trabajando en los más duros oficios para conseguir el dinero de su operación. Una noche salva la vida de un hombre rico que le acoge bajo su protección estando borracho y le presta el dinero necesario, pero al recobrar la sobriedad lo acusa de robo, por lo que da en la cárcel mientras la joven con el dinero logrado mediante su sacrificio se somete a la operación y recobra la vista. Meses más tarde el vagabundo más pobre que nunca, caminando al azar se para ante el escaparate de una floristería y allí tras el cristal está… y suena la Violetera.

Queridos cinéfilos haciendo el resumen del argumento me doy cuenta de que parece una cursilería de órdago. No, no se fíen, camaradas, ciudadanos romanos, esta película es una joya y con mayúsculas UNA JOYA. Teniendo en cuenta que su autor es uno de los genios más portentosos que ha dado el séptimo arte, que sus planos y su lenguaje son prodigiosos y perfectos, que es originalísima porque mezcla con sin igual habilidad todos los géneros: comedia, drama amoroso, sátira, melodrama, drama social, estudio filosófico, pantomima, bufonada, en un cocktail propio y exclusivo de un genio, que su emoción y ternura son genuinas y tan maravillosas que parten el corazón de todo el que lo tenga en medio del pecho, que la música es inolvidable en su oportunidad y sutileza, que su sentimiento carece de sensiblería porque justo en el momento en que parece que lo bordea, ¡zas! lo evita haciéndonos morir de risa, que desde la primera escena del discursito político uno se parte viendo lo que se avecina y sin decir palabra, que es un canto maravilloso y mudo al cine ídem, que esconde cargas de profundidad acerca del abismo social, la hipocresía, la crueldad y la injusticia de la Justicia, o sea que reparte para todos, que habla de una forma maravillosa del verdadero amor que es la búsqueda de la felicidad del otro y no la propia, que tiene unos momentos antológicos de risa como el combate de boxeo, el intento de suicidio del tipo, la comida de los spaguettis en el restaurante, el episodio de la jaula del león, que compone un personaje pobrecillo y tierno a la altura de los grandes personajes de la Literatura: idealista, trágico y en definitiva grandioso, pero que sobre todas estas cosas, tiene un final, amigos míos ¡qué final!:

-¿Ya ves ahora?

-Sí ahora ya veo

Es terrible.


Libro de Visitas

Pilar Arozena Gonzalez ©

Creative Commons License



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Escrito por Natalia el 13/11/15

Lost in translation Pinche en el enlace para votar


Portada

A veces sabes que vas a acabar viendo una película por más que te resistas. Nadie te ha hablado de ella directamente, no sabes de que trata, ni en qué lugar y época se desarrolla la trama, pero escuchas su nombre por casualidad en la radio, alguien se la recomienda a otra persona en el metro o encuentras una alusión a ella en un artículo del periódico pero sigues negándote a verla porque a pesar de todos los comentarios buenos que escuchaste sólo una fuerte crítica destructiva, bastante convincente, te hizo cerrarte en banda aunque en el fondo de tu ser una alarma empieza a avisarte de que debes verla. Dejas que la alarma suene hasta que un día, quieras tú o no, cae en tus manos y no tienes otra alternativa. Y ese día termina por ser perfecto y tu vida cambia por completo. Un encuentro no premeditado, como el día en que conoces al amor de tu vida.

Trama

Bob Harris (Bill Murray) es un gran actor estadounidense que se instala en un hotel de la imponente ciudad de Tokio durante unos días para grabar un anuncio del famoso Wishky Santori. No habla japonés, viaja solo, cansado de la superficialidad de su vida y ya que sus primeros contactos con la cultura japonesa y con el entorno de Tokio le resultan como una broma pesada, decide refugiarse en el hotel hasta que la pesadilla acabe. Allí ve a una joven americana en el ascensor Charlotte (Scarlett johansson), una chica recién licenciada en filosofía y casada, se encuentra alojada en el mismo hotel durante una larga temporada mientras su marido, John (Giovanni Ribisi) desempeña su trabajo como fotógrafo. La frustración y las dudas existenciales que se generan en la soledad de su habitación le conducen a la barra del bar del hotel, donde conoce a Bob. Ambos sienten que no son dueños de sus propias vidas, que no tienen las relaciones amorosas apasionantes que desean, cada día se sienten más alejados de su propia identidad y ninguno de los dos comprende que hacen encarcelados en esa ciudad. Todo cambia cuando comienzan a conocer juntos la ciudad, intercambiar pensamientos y compartir nuevas experiencias que les acaban envolviendo en un halo de admiración platónica.

Lost in Translation

Por otra parte…

El cine asiático en general y el japonés en particular, es el maestro en resaltar pequeños detalles de manera elegante y precisa hasta lograr llenar una escena aparentemente simple y vacía, de un gran sentimiento y significado que eriza el vello del espectador. En Lost in translation, encontramos esa apreciación al cine asiático y la gran curiosidad de la directora por una cultura tan apasionante, es tan grande que la despierta en el espectador y no puedes evitar empezar a indagar hasta el mas mínimo detalle de ese rincón tan majestuoso del mundo. Pero no es tan pura como pueda serlo Dolls de Takeshi Kitano, ya que conserva el particular estilo independiente de sofia coppola que hace que sus películas sean tan especiales. No hay otra película igual, no la busquéis, no la encontraréis, yo ya lo hice. Os pueden dejar con un sabor de boca parecido Sabiduría garantizada de Doris Dörrie o Chunking express de Wong Kar-wai o cualquiera de Sofia coppola que conserva siempre su identidad, esto en lo que se refiere al ambiente. Si lo que os cautiva es la trama, Antes del amanecer de Richard Linklater. Se nota que Sofia Coppola es una mujer de mundo, pues retrata a la perfección en esta película una de las situaciones más comunes entre los viajeros de paso, dentro de una atmósfera delicada y en ocasiones etérea como un recuerdo. Scarlett con su personaje, que en mi opinión tiene rasgos inspirados en las nínfulas de Nabokov, pero ya mayor de edad, logra cautivarte y robarte el corazón envolviéndote en la esencia que le caracteriza, que hace que sea tan especial y que cautivó al gran Woody Allen. Bill Murray marcó mi infancia con atrapado en el tiempo y los caza fantasmas, volvió en mi juventud para seguir arrancándome sonrisas y confirmar que es un gran actor lleno de pasión por su trabajo capaz de lograr atravesar la pantalla. Una buena escena de Bill Murray es como una buena canción, consigue agitar tu cuerpo mientras con una sonrisa en la cara piensas "Qué bueno".

Lost in Translation

En esta película encontramos escenas míticas como el momento en el que le envían un "regalo especial" al señor Bob Harris a la habitación. Me gustaría volver a ver esta película por primera vez sólo para ver esa escena y reírme tantísimo como aquella vez, para mi una de las más cómicas y surrealistas del cine. El momento del karaoke cuando Charlotte va con su peluca rosa y Bob con la camiseta militar naranja dada la vuelta y una americana, ella canta Brass in pocket y el More than this ambos llenos de sentimiento, sensualidad y encanto. O cuando Charlotte visita Kyoto, en ese momento recuerdas que el mundo encierra lugares maravillosos e instantáneamente te marcas una nueva meta en la vida que consiste hacer todo lo posible por pisar ese suelo. Si lo que queremos son paisajes bonitos de Japón en Cerezos en flor del ya mencionado Doris Dörrie (director Alemán que nos deja caer por segunda vez su pequeña obsesión con el país del sol naciente) encontramos el monte Fuji en todo su esplendor.

Es una película perfecta para recuperar el aliento, despertar la curiosidad y la creatividad cuando nos encontramos perdidos.

Personajes principales:

Bob Harris (Bill Murray): Actor estadounidense nacido en 1950 ha trabajado en películas como Tootsie, Los caza fantasmas, Atrapado en el tiempo, Rushmore, Abajo el telón, Flores rotas, Hyde park on Hudson y Los tenenbaum entre otras muchas. Ganador de premios BAFTA, Globos de oro y satellite awards al mejor actor. Nominado en la categoría de mejor actor en los Óscar por Lost in translation.

Charlotte (Scarlett Johansson): Actriz estadounidense nacida en 1984 ha trabajado en películas como Gosht world, Match Point, La joven de la perla, El abanico de lady windermere, La isla y Lucy entre otras muchas… Ganadora de premios BAFTA, premio del festival de Venecia, premio Chlotrudis a la mejor actriz.

John, marido de Charlotte (Giovanni Ribisi): Actor estadounidense nacido en 1960 ha trabajado en películas como 60 segundos, Salvar al soldado Ryan, Enemigos públicos. También conocido por ser el hermano de Phoebe en la serie Friends y por su personaje de Ralph en Me llamo Earl. Ya había trabajado anteriormente con Sofia Coppola como narrador en Las vírgenes suicidas.

Kelly, actriz y amiga de John (Anna Faris): Actriz estadounidense nacida en 1976 ha trabajado en películas como Scary movie , Una conejita en el campus o Preguntas frecuentes sobre los viajes en el tiempo. Protagoniza la serie Mom desde 2013.

Ms. Kawasaki (Akiko Takeshita): Actriz Japonesa nacida en 1959 ha trabajado en películas como Deseo, peligro y la serie Samayoi Zakura.

Otros datos:

Director: Sofia coppola. Actriz ha trabajado en películas como El padrino y Star wars la amenaza fantasma. Directora de esta y otras películas como Las vírgenes suicidas, María Antonietta, The bling rings y Somewhere. Conocida también por ser la hija de Francis Ford Coppola. Ganadora de numerosos premios

Guion: Sofia Coppola, ganadora del premio Óscar y globo de oro al mejor guion original por Lost in translation. Premio spirit independiente al mejor director y mejor guion. Ganadora del León de oro festival de cine de Venecia por Somewhere.

Música: Esta película no sería tan buena si Sofia Coppola no tuviese un gusto musical tan delicioso como el que tiene. Encontramos Grupos como, The jesus and Mary con la canción Just like honey, Air con Alone in Tokio, Phoenix con Too young, Peaches y su rítmico Fuck the pain Away y el grupo japonés Happy end con la deliciosa Kaze wo Atsumete (recoge el viento)

Género: Comedia, drama.

Duración: 104min

Año: 2003

Productora: American Zoetrope Tohokushinsha Film


Libro de Visitas

Natalia Cañadas ©

Creative Commons License



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Escrito por Natalia el 16/12/15

El tercer hombre Pinche en el enlace para votar


Portada

Me cuesta plasmar en una frase potente la sensación que me produce esta película y por mi mente han pasado palabras como majestuosidad, elegancia, emoción, ingenio, belleza, picardía, armonía, caos o delicadeza pero no he conseguido construir una frase que la llegue a describir con exactitud. Tengo que reconocer que amo muchas películas, pero esta tiene todos los factores para ser la que más se aproxima a un amor verdadero. Atrapó todos mis sentidos desde el primer minuto, comenzando por la banda sonora acompañada de la caricatura del contexto y la situación que retrata el narrador. Quise volver a verla para no perderme detalle y las veces que la volví a ver me cautivaba lentamente pero sin freno, aunque me enfadasen o no entendiese algunos momentos de la trama, la emoción del primer día permanecía e incluso se multiplicaba. Cada vez que la veo estoy más convencida de que posee todos los elementos para ser perfecta.

La Trama

En 1947 un escritor de novelas del oeste llamado Holly Martins (Joseph Cotten) se traslada a la ciudad de Viena después de que su amigo de toda la vida Harry Lime (Orson Wells), le ofreciese un trabajo allí. Por aquel entonces la ciudad se encontraba destrozada y dividida en cuatro zonas: rusa, francesa, americana e inglesa. El centro de la ciudad era internacional, estaba repleto de soldados, aunque esto no era un impedimento para los profesionales del mercado negro que ofrecian o aprovechaban las mejores oportunidades. Cuando Holly llega a la ciudad, con la inesperada y trágica celebración del funeral de su amigo Harry. Conoce a un policía que inmediatamente le acribilla a preguntas para descubrir la verdad sobre el caso de Harry Lime sin tener en cuenta el dolor de su buen amigo. Más tarde, dispuesto a conocer el entorno de Harry, Holly se cita con un amigo de éste (Ernst Deutsch) que le cuenta lo sucedido, a Holly le resulta extraño el ambiente que se respira en general y los argumentos del amigo le parecen contradictorios. Le informa sobre la existencia de una novia, Anna Schmidt (Alida Valli) de origen Checoslovaco, a la cual ya había visto en el funeral. Anna vive una situación complicada además de la muerte de Harry, es perseguida por los rusos. Ella encuentra en Holly compañía y comprensión, sirviendole de calmante para el dolor de las heridas que ha dejado Harry en su corazón. Holly, por su parte, empieza a observarla con aprecio y atracción. Anna le confiesa que no cree que su muerte fuese un accidente y, tras estas declaraciones, Holly confirma sus dudas y comienza a investigar.

El tercer hombre

Reflexión

Es la provocación en su máxima expresión. En cada imagen, situación, gesto y palabra subyace esta incitación constante. El amigo traicionado, el amante herido y la autoridad burlada se ven arrastrados por este estimulo hacia el juego adictivo, peligroso y contradictorio de la persecución de la verdadera realidad y de la satisfacción de sus deseos, al mismo tiempo en el que la honestidad brilla por su ausencia y los personajes crean una realidad falsa. Un juego continuo de luces y sombras. Pero para provocadora, en todos los sentidos, la mirada de Orson Wells justo en el momento en que su cara se ilumina en el portal, mientras que un gato, al reconocer el olor del amante perverso de su ama, le lame los zapatos. En ese momento, percibes lo poderosa que es la provocación y como es capaz un solo ser de generar tantos sentimientos a su alrededor utilizándola a su antojo, además de experimentar una exaltación de los instintos primarios gracias a esa imagen. En mi opinión, el papel estaba hecho a la medida de Orson. ¿Quién mejor para interpretar el papel de un provocador que el hombre que una década antes paralizó a un país entero con un malentendido radiofónico? Aunque para conocer al verdadero Orson no es suficiente con ver esta película. No es la primera vez que Orson Welles y Joseph Cotten trabajan juntos, y no es casualidad, el cine es una invención y todo está milimetrado. Ciudadano Kane, supuso un cambio en la forma de hacer cine y Carol Reed no quería que se le escapase de las manos la perfecta combinación de estos dos esplendidos actores. Es admirable la capacidad de mantener la tensión que tiene Joseph durante toda la pelicula. Adila se encuentra envuelta en una sensación de derrota, nostalgia e incertidumbre constante, resulta tan macabro como romántico, y también algo excitante la forma en la que ella utiliza el pijama de Harry y como trata y mira todo lo que hay en su casa que perteneció a él, porque resulta evidente que vivienron juntos. Excitante para ella que se recrea con cierta discrección en los olores, sensaciones y recuerdos, pero puede resultar inquietante para el espectador, aunque lo interpreta con tanta intensidad, que alguna de las veces que la vi consiguió trasmitirme el profundo deseo por poseer al terrible Harry Lime. Es una película que cuenta con un reparto y un equipo magnífico, hasta los personajes secundarios están construidos con cuidado, cargados de matices y personalidad. Es apasionante recorrer los helados y relucientes suelos de Viena, poco acostumbrada a que retraten su peor parte. El encargado de recoger todos estos detalles recibe el nombre de Robert Krasker, captó cada segundo a través de la lente con una delicadeza deliciosa, él fue quien plasmó en imagenes el juego constante de luces y sombras que ya he mencionado. Querían que se viese lo que ocurria en la Viena de aquel momento y desde luego resulta estremecedor ver la ciudad en ruinas y saber que no es un decorado. Mi escena favorita es No puede haber dos películas iguales ni aunque quisieran, es única en cuanto a reparto, guión, banda sonora y sobre todo la escenografía.

El tercer hombre

Curiosidades

El tercer hombre fue un escrito de Graham Greene que más tarde se llevo al cine mediante la dirección de Carol Reed y después se convirtió en novela, esta fue la forma en la que Greene pudo escribir el guión, siempre defendió que la versión cinematográfica es mucho mejor que la novela.

La censura americana prohibió la frase del escrito original de Carol Reed en la que Anna le dice a Holly para desengañarle: "Quiero que sepas que cada vez que tengo sueños eróticos son con Harry". Esto se deduce a lo largo de la pelicula sin necesidad de ningún dialogo con la actitud de Anna.

En 1948 Carol Reed estaba preparando su película en Viena y encontró a Karas tocando en una taberna vienesa, se le acercó y le contrató. El encuentro se llevó a cabo por casualidad en ese lugar, y la elección resultó ser un golpe de suerte para ambos.

El tercer hombre

Música

Antonio Karas logra conquistarnos con "The Harry Lime theme" que, después de mucho empeño por parte de Carol Reed, un traslado a Londres y un incendio, consigue otorgar a esta producción la aportación musical necesaria para que El tercer hombre sea una obra maestra con todos los elementos.

Premios

Premio Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro, Robert Krasker.

Premio BAFTA a la mejor película británica.

Premio del Festival de Cannes, Gram Premio, Carol Reed.

Reparto y personajes

Carol Reed: Director.

Robert Krasker: Director de fotografía.

Graham Greene: Guionista.

Joseph Cotten: Holly Martins

Alida Valli: Anna Schmidt

Orson Welles: Harry Lime

Trevor Howard: Mayor Calloway

Wilfrid Hyde-White: Crabbin

Erich Ponto: Dr. Winkel

Ernst Deutsch: Baron Kurtz

Siegfried Breuer: Popescu

Paul Hörbiger: Karl, portero de Harry Lime

Hedwig Bleibtreu: Casera de Anna

Duración y año

104 minutos. 1949.

Productora

London films.

Alida Valli


Libro de Visitas

Natalia Cañadas ©

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Escrito por Mplanet el 21/04/16

Gil Scott-Heron, el poeta del soul Pinche en el enlace para votar


Hace unos pocos años nos dejó a la edad de 62 primaveras Gil Scott-Heron, entrañable músico, escritor, poeta y acérrimo activista en la lucha por los derechos de los más desfavorecidos y los desajustes sociales. Sin duda, estamos ante uno de los artístas más influyentes de la música (aunque muchos lo desconozcan) siendo todo visionario en la materia. Se afirma que es el padre progenitor del rap (junto con los The Last Poets) cuando, en 1970 se sacó de la manga una de sus piezas más relevantes: The Revolution Will Not Be Televised (La revolución no será televisada).

Traducción del poema/canción The Revolution Will Not Be Televised

No serás capaz de permanecer en tu casa, hermano.

No serás capaz de conectar, encender y escurrir el bulto.

No serás capaz de perderte en Skag y

saltar hacia fuera por la cerveza durante los comerciales,

debido a que la revolución no será televisada.

La revolución no será televisada.

La revolución no será traída a ti por Xerox

en 4 partes sin interrupciones comerciales.

La revolución no te mostrará fotos de Nixon

soplando una corneta y llevando una carga de John

Mitchell, General Abrams y Mendel Rivers para comer

fauces del cerdo confiscada a un santuario de Harlem.

La revolución no será televisada.

La revolución no será traída a ti por el

Schaefer Premio de Teatro y no lo hará Natalie

Woods y Steve McQueen o Bullwinkle y Julia.

La revolución no se le dará a su sex-appeal

la revolución no se librará de las protuberancias.

La revolución no te hará lucir cinco libras

más delgado, la revolución no será televisada, hermano.

No habrá fotos de ti y Willie Mays

empujando el carrito de la compra de la manzana en la carrera muerta,

o tratando subir esa televisión en color en una ambulancia robada.

NBC no será capaz de predecir el ganador a las 8:32

en los informes de 29 distritos.

La revolución no será televisada.

No habrá fotos de cerdos disparando a

hermanos en la repetición instantánea.

No habrá fotos de Whitney Young siendo

agotado de Harlem en un carril con un proceso totalmente nuevo.

No habrá cámara lenta o la naturaleza muerta de Roy

Wilkens paseando por Watts en un Negro Rojo, y

Verde liberación mono que había estado ahorrando

por tan sólo la ocasión propicia.

Green Acres, The Beverly Hillbillies, y Hooterville

la salida ya no será tan maldito dios correspondiente, y

las mujeres no le importa si Dick finalmente atornillar

Jane en Search for Tomorrow porque los negros

estará en la calle en busca de un día más brillante.

La revolución no será televisada.

No habrá más destacado en el once

noticias y no hay fotos de peludas mujeres armadas

liberacionistas y Jackie Onassis se sonaba la nariz.

El tema no va a ser escrita por Jim Webb, o

Francis Scott Key, ni cantado por Glen Campbell, Tom

Jones, Johnny Cash o Humperdink Englebert.

La revolución no será televisada.

La revolución no será la derecha de nuevo

después de un mensaje acerca de un tornado blanco, un rayo blanco, o los blancos.

Usted no tendrá que preocuparse por una paloma en su

dormitorio, un tigre en su tanque, o el gigante en la taza del inodoro.

La revolución no va a ir mejor con Coca-Cola.

La revolución no será luchar contra los gérmenes que pueden causar mal aliento.

La revolución le pondrá en el asiento del conductor.

La revolución no será televisada, no será televisada,

no será televisada, no será televisada.

La revolución no será re-hermanos de ejecución;

La revolución será en vivo.

The Revolution Will Not Be Televised es un absoluto reprocho a la manipulación televisiva de aquel periodo (entre el 1968 y 1974) donde Richard Nixon y sus secuazes adulteraban la cruda realidad utilizando un medio tan factible y embaucador como la televisión. De ahí que la revolución no será televisada, sino que la misma, será en vivo.

The Revolution Will Not Be Televised

Nace en la ciudad de Chicago, pero su niñez la pasa en Tennessee. En la américa profunda, conoce el racismo en primera mano. Años más tarde, ya en plena adolescencia, emigra a Nueva York y recala en el marginal barrio del Bronx, allí se da cuenta de la terrible desemejanza que existe en su país: los conflictos raciales, las desigualdades sociales, las drogas que hacian estragos en los barrios más pobres de la comunidad negra y latina… A la prematura edad de 13 años, termina su primer libro de poemas, reflejando dichos conflictos.

En 1970 ya con 21 años, sale su primer àlbum llamado Small Talk At 125th and Lenox, y con ello, la primera versión del ya comentado The Revolution Will Not Be Televised para el sello Flying Dutchman de donde es propietario el músico y productor Bob Thiele (éste, viejo conocido por haber sido el productor en la dorada época de Coltrane y compañia en el prestigioso sello Impulse!) El Small Talk At 125th and Lenox es un Trabajo asociado directamente al Spoken Word: fusión que une la poesia y la instrumentación musical. En dicho disco, satiriza y critica de forma feroz el imperante racismo de la época, la manipulación de los medios informatives y el exceso del consumismo. Es un disco estrictamente tribal, como si de alguna manera, quisiera evocar a sus antepasados o ancestros y revivir su linaje más africano.

En Contexto

No olvidemos, que a mediados de los 60 hasta bien entrados los 70, muchos afroamericanos se revelaron manifestándose contra el sistema (ultra) conservador de la época, un periódo lúgubre y convulso donde los haya, pero muy prolífico a nivel musical. En 1963, J.F Kennedy es asesinado. Poco antes del lamentable suceso afianzó y estableció el Movimiento por los Derechos Civiles en EEUU. La muerte de Kennedy es solo la punta del iceberg. Cinco años después, Martin Luther King, también fue asesinado en el balcón del Lorraine Motel de Memphis. El doctor King se dirigía a Memphis (Tennessee) para ayudar y respaldar a los basureros negros de la zona, que estaban, lamentablemente, en condiciones casi de esclavitud.

Por su parte, Malcolm X, más extremista y militarista que pacifista, murió tiroteado por un miembro de la Nación del Islam (organización a la que el propio Malcolm pertenecia siendo hombre de confianza de Elijah Muhammad, líder absoluto de la organización). La controversia y las teorias de la conspiración envolvieron el fatídico suceso (se dice que la policia y el FBI estaban detrás de la trama) Finalmente y en gran parte, fueron los celos, la insana envidia y el rencor que se le tenia a Malcolm por abandonar la Nación del Islam y crear su propia organización, mucho menos extremista y más realista en la solidaridad con la comunidad negra. La nueva organización de Malcolm estaba hecha a medida para luchar en contundencia y tenacidad por y para la causa negra sin llegar al extremo de la violencia, eso si, en caso de que fuera necesario la utilizaban sin problemas. Me explico: los blancos que luchaban o eran partícipes en los Derechos Civiles de los afroamericanos eran bien vistos por la nueva organización de Malcolm, es más, tampoco suponia ningún peligro incluso aquellos que no estaban ligados a la lucha siempre y cuando, éstos no entrañasen peligro alguno.

Por el contrario, la Nación del Islam tachaba de “demonios de ojos azules” a todo aquel que fuera blanco.

John Fitzgerald Kennedy

Los afroamericanos ya no tenian líderes importantes quién les respaldara de alguna manera en torno a sus derechos como ciudadanos norteamericanos. La comunidad negra estaba al rojo vivo, ya no se escondían ante nada ni ante nadie. Siglos de esclavitud, años y años de humillaciones, muertes absurdas y extremas desigualdades como la segregación hicieron mella en la colectividad negra.

Cuando la música irrumpe en el gueto

Por aquellos tiempos, la música negra se mudó hacia un estilo mucho más agresivo, menos comercial, más africano, más étnico y más negro al fin y al cabo. Por ejemplo, el jazz ya no poseía los patrones establecidos de antaño, siendo extremadamente más libre y más espiritual. Aquel jazz (muchos críticos blancos lo llegaron a tildar de anti-jazz) se convirtió en la banda sonora de los guetos de Nueva York, Detroit, Filadelfia o Chicago. John Coltrane, Archie Shepp, Ornette Coleman o Sun Ra entre otros, fueron los máximos exponentes de aquella onda llamada New Thing!. El soul y el funk no se quedan atrás y también hicieron sus respectivas permutaciones donde un descarado James Brown cantó aquello de: Say It Loud I’m Black And I’m Proud!! (soy negro y estoy orgulloso de serlo) a los cuatro vientos. Se convirtió en un himno y todos los jóvenes (y no tan jóvenes) negros se movían a ritmo de funk mientras ondeaban con mucha dignidad su pelo afro y demostrar así el orgullo de ser descendientes de áfrica. Fue toda una declaración de intenciones y aquella canción funcionó a las mil maravillas para representar a toda una generación. En cuanto a la Motown, dejó de ser aquel fabuloso sello del soul/pop sofisticado para las masas y se enzarzó en piezas mucho más politizadas e igual de fabulosas e igual de sofisticadas. Claros ejemplos son los magistrales trabajos de Marvin Gaye con su obra magma What’s Going On (1971), la furia de Edwin Starr cantando War (1970) (directo al conflicto bélico en Vietnam) o los psicodélicos The Undisputed Truth con Smiling Faces (1971).

Por su parte, la tropa de Stax Records siempre tuvo su impronta en la crudeza de su música, soul añejo en estado puro, sin miramientos ni florituras. A diferencia de la Motown de Detroit, Stax buscaba que su sonido fuese más “sucio”. En 1972 se embarcaron en un concierto multitudinario llamado Whattstax: The Living Word donde acudieron miles y miles de personas y no faltaron sus máximas estrellas como Issac Hayes, Rufus Thomas, Staples Singers o The Bar-Kays entre muchos otros. La guinda del pastel la pusieron el cómico actor y monologuista Richard Pryor y el activista y reverendo Jesse Jackson.

Todo esto, unido a la gran labor de Los Panteras Negras (guiados por Malcolm X, Martin Luther King, el libro rojo de Mao y la cultura africana entre otras cosas) y la nueva ola cinematográfica de la Blaxploitation hizo, de aquella época, el resurgir (que nunca tuvieron) de una comunidad que deseaba, con todas sus fuerzas, ser libres.

Gil Scott-Heron se encuentra en medio de todo el meollo y quería manifestar el contexto en el que se movía cuando hablo de él y de sus inicios. Después de este inciso, sigo con su primer trabajo, el Small Talk At 125th and Lenox. Aquí abundan las congas y los tambores, la percusión se mueve a todo trapo mientras Heron vocifera, narra y casi “rapea” sus poemas con pura energía y rabia. Es un álbum poco cantado, a duras penas hay una o dos canciones, entre ellas, está un precioso blues llamado The Vulture (nombre que da título a su primera novela y que además ha sido recientemente reeditada al español).

El buitre

Justo un año después (1971) surge uno de sus mejores álbumes, el delicado y fino Pieces Of a Man: Un disco con una clara vertiente al jazz vocal. Es un trabajo serio y maduro (a pesar de ser su segundo trabajo!) donde participan músicos de élite como el clásico contrabajista de jazz Ron Carter, el flautista y saxofonista Hubert Laws o su ya inseparable pianista y arreglista Brian Jackson. El Piece Of a Man hay un manifiesto homenaje a John Coltrane (era un fanático de su música) y la proverbial cantante de jazz Billie Holiday en Lady Day y John Coltrane. Por otra parte, retoma de forma mucho más atractiva la melodía de The Revolution Will Not Be Televised donde se aprecia el influjo (en cantidades desorbitadas) del funk. En Home Is Where The Hatred Is destaca el elegante y refinado soul muy propio de los setenta y pasará a ser uno de sus temas fetiche. En The Prisioner se acentúa su serenidad y tranquilidad, pieza sosegada envuelta en un aura de puro jazz acidificado e intimista de nueve minutos. En mi opinión, es uno de los temas más bellos del jazz vocal.

Pieces Of a Man

Sin duda, la época más prolífica y productiva de Heron está en la década de los 70, a parte de los ya comentados Small Talk At 125th and Lenox y Pieces Of a Man hay otros muy buenos trabajos en el que podemos destacar el Winter in America (1974) para el prestigioso sello de culto Strata-East. Sin duda, junto con el Piece Of a Man, sigue siendo su mejor y más reconocido álbum. Sin ir más lejos, aparece el que sería su tema más conocido para el gran público, The Bottle. No hay que olvidar, que a partir del Winter in America su nombre aparecerá junto con el de su compañero de aventuras Brian Jackson, en que su función de pianista, arreglista y a veces compositor será crucial para el futuro de Heron.

Otro álbum que aprecio con cariño es el It’s Your World facturado en 1976. En este caso se aprecian ciertos tintes de latin jazz como son los casos de 17th Street y New York City. En Trane vuelve a decirnos lo mucho que le gusta John Coltrane siendo una pieza de orfebrería que recuerda la dorada época del jazz. Y por último, tenemos el subversivo y agitador It’s Your World que da como título principal al disco.

It’s Your World

Un gran trabajo a destacar es el Bridges (1977). Aquí, aparece uno de los temas más hermosos, espléndidos y distinguidos que he escuchado, no solo por parte de Gil Scott-Heron, sino de la historia de la música en todas sus vertientes y ramificaciones. Se trata del We Almost Lost Detroit, un augusto homenaje a esa hermosa ciudad que, a causa de una galopante y eterna crisis económica, está sumida en una progresiva decadencia que parece no tener fin. Es difícil de explicar con palabras lo que siento cada vez que escucho este tema. Simplemente, cierro los ojos y me dejo llevar por esa voz, esa melodía y esa música en todo su conjunto, llena de tristeza, de sentimiento auténtico (algo inusual últimamente en la música) que hace que los pelos se pongan como escarpias.

La vida de Heron (como la de cualquier otro artista), ha sufrido sus altibajos, sus idas y venidas, no solo en referencia a su trabajo como forma de arte, sino, también en lo personal. Sus devaneos con la cocaína, el alcohol y su (últimamente) delicada salud a causa del Sida, lo han marcado profundamente.

Si los 70 fueron la mejor década para Gil Scott-Heron, los 80 y los 90 fueron, justamente, todo lo contrario. Los 80 no se llevaron bien con Heron, no fue una fértil época para su música. Quizá se podría descollar el Reflections (1981), pero queda lejos de sus precedentes álbumes. De todos modos, aunque el Reflections no tuviera la repercusión deseada, se podría, tranquilamente, hacer mención de dos temas que valen mucho la pena, al menos para un servidor. Se trata de una versión que hace de Inner City Blues del gran Marvin Gaye y después tenemos el funk (¿rap?) de B-Movie: un largo tema de doce minutos donde vuelve a demostrar sus dotes como poeta musical.

Reflections

La pasada década fue algo funesta para él, ingresó varias veces en prisión por posesión de cocaína y tuvo que luchar por el duro y sacrificado camino de la rehabilitación. Aun así, en 1994 sale el Spirits, pero tuvo poca o nada trascendencia.

En el 2010, después de años y años de inactividad sale su póstumo trabajo, el I’m New Here, para el sello discográfico XL Recording. Conocido sello destinado a publicar, básicamente, pop/rock electrónico. Grupos como Radiohead, Sigur Ros o Prodigy han trabajado en él. Por eso, lo nuevo de Heron suena a desigual a todo lo que había hecho con anterioridad pero sin embargo, no pierde un ápice de su talento y autenticidad. Es un álbum bastante inclasificable ya que abarca un abanico de géneros y estilos muy diversos, todos entrelazados en sí mismo.

Gil Scott-Heron

En mi opinión, podría etiquetarlo de Nu soul. Incluso en Me And The Devil (un tema original del 1938 Robert Johnson, todo un pionero del blues) se advierten destellos propios del trip hop, a los teclados se encuentra el gran Damon Albarn de los Blur. Suena a nuevo, a contemporáneo, pero la desgarrada y profunda voz de Heron nos transporta a la época del blues. En New York Is Killing Me suena un potentísimo y grueso bombo, seco y cortante acompañado de unas descuadradas palmas y la hiper-desgarradora voz de Heron, puro blues envejecido y pura electrónica dubstep al mismo tiempo. I’ll Take Care Of You nos recuerda al Gil Scott-Heron de siempre y es uno de mis temas preferidos en toda su discografía. Es un disco lleno de poseía, de soul, de blues, de dubstep y downtempo de calidad, de electrónica ambiental, de oscuridad y luz a partes iguales, lo tiene todo y no le falta de nada. Heron entregará con pasión, con amor y corazón su último granito de arena, su última aportación, su último suspiro en este hermoso y profundo disco. El ayer y el hoy se fusionan y se cogen de la mano de forma fantástica y pasmosa sin caer en la ordinariez. Con I’m New Here sigue siendo el sutil Gil Scott-Heron de épocas remotas, en donde vuelve a la carga con sus poéticas narraciones dando forma a un género prácticamente obsoleto: el Spoken Word.

15 de agosto del 2009 NYC

En efecto, es un 15 de agosto del 2009. La hora es inexacta pero bien entrada en el atardecer (diría que son aproximadamente las 20:00 de la noche). En la ciudad de Nueva York ha hecho un día espléndido pero con el añadido abrasador del sol y la humedad. El calor del medio día ha sido sofocante, de aquellos que sales escaldado, pero te da igual, te da igual porque estas de vacaciones y estás en la meca de la música jazz, de la música soul y del funk, estás en una ciudad llena de recuerdos memorables y desgracias trágicas. Estás en la ciudad de los rascacielos dónde todo pasa. Estás en la ciudad de Woody Allen, Spike Lee y Martin Scorsese (tres directores a los que admiras de forma incondicional). Te da igual, porque sabes que dentro de pocos minutos verás a Gil Scott-Heron en directo, en la Blue Note (nada mas y nada menos). Si, una noche de verano, no una noche cualquiera, sino la noche, la noche que nunca jamás de los jamases olvidarás.

De ningún modo dejaré de acordarme de esa rasgada y acerada voz, ni de la buena onda que transmitía su bonanza, su calma… De ese solo de piano mientras está a punto de surcar los profundos mares de Piece Of A Man. Oh! Cómo olvidar aquella noche.

Gil Scott-Heron. 1 de abril de 1949-27 de mayo de 2011


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